Après deux ans passés dans la prison du New Jersey, Danny Ocean retrouve la liberté et s’apprête à monter un coup qui semble impossible à réaliser : cambrioler dans le même temps les casinos Bellagio, Mirage et MGM Grand, avec une jolie somme de 150 millions de dollars à la clé. Il souhaite également récupérer Tess, sa bien-aimée, partie au bras de Terry Benedict, le propriétaire de ces trois somptueux établissements de jeux de Las Vegas.
Pour ce faire, Danny et son ami Rusty Ryan composent une équipe de dix malfrats maîtres dans leur spécialité. Parmi eux figurent Linus Caldwell, le pickpocket le plus agile qui soit ; Roscoe Means, un expert en explosifs ; Ruben Tishkoff, qui connaît les systèmes de sécurité des casinos sur le bout des doigts ; les frères Virgil et Turk Malloy, capables de revêtir plusieurs identités ; ou encore Yen, véritable contorsionniste et acrobate.

Un scénario bien huilé, un parterre d’acteurs exceptionnels (Clooney et son flegme légendaire ou Brad Pitt en dandy boulimique sont irrésistibles), des répliques goguenardes et une maîtrise du suspense qui va crescendo jusqu’à la révélation du braquage tant attendu… Tels sont les maîtres mots employés dans ce polar mêlant humour, action et manigance.

Le spectateur se laisse volontiers prendre au jeu dans ce presque huis-clos (l’essentiel du film se passe au Bellagio) à l’ambiance feutrée où se prépare une partie d’échecs grandiose, entre coup de poker et jeu de roulette, dans laquelle chaque pion joue un rôle capital.

Une décennie plus tard, Ocean’s eleven est toujours aussi efficace avec ses entourloupes rythmées et son décor luxueux. La vengeance s’y déguste à petit feu, les dollars pleuvent et le public se délecte… Bref, du divertissement comme on les aime.

Trois sont déjà morts. Qui est le quatrième ? Un jeune adolescent doté de pouvoirs extraordinaires, John Smith, fuit devant de redoutables ennemis prêts à tout pour l’éliminer et s’emparer de son pouvoir magique. Changeant régulièrement d’identité, ne restant jamais longtemps dans la même ville, Henri son protecteur veille sur lui. Ses fréquentations ne mènent à rien, John est toujours le petit nouveau. Dans la ville de l’Ohio où il se recueille, des événements inattendues se multiplient et changent sa vie. Dès lors, il se retrouve lier à des personnes qui partagent son fascinant destin et la naissance de son premier amour se révèle encore plus dangereux que sa fatalité. Comment peut-il la surmonter face à ses nouvelles aptitudes qu’il tente de maîtriser ?

D.J. Caruso présente son film comme le reflet d’une série pour jeunes adolescents, dans laquelle, un jour, un jeune prodige et ses « amis » se déchaînent contre des affreux méchants sortis tout droit des ténèbres. Les jeunes adolescents apeurés par leur phobie, sombrent dans l’affolement contraints de faire confiance à la magie (ou à l’amour d’une belle créature), sous l’impulsion d’effets dynamiques et d’une bonne dose de charisme. L’ensemble n’est pas désagréable, le thème orienté « teenage » est à la croisée de la science-fiction et des belles romances ô combien innocentes. Qui ne se souvient pas d’avoir transgressé des règles de lycée pour impressionner une jolie fille ? Le réalisateur américain ne fait pas dans l’originalité des séries ou films déjà existants (Charmed, Buffy, Smalville, Twilight…) mais apporte à son film une petite histoire d’amour sympathique.

En suivant les destins des deux jeunes adolescents sous les traits d’un beau gosse et de sa petite amie ravissante, affronter des méchants extra-terrestres affreux, tous les ingrédients du genre sont réunis pour se laisser embarquer par une « série » portée sur grand écran et découvrir du manque d’imagination des scénaristes américains.

Numéro quatre sorti au cinéma le 6 avril 2011, a fait l’objet d’une sortie DVD et Blu-Ray le 10 août, est un film (pour adolescents) où l’on retrouve un super-héros, une fille attirante et des méchants dans une histoire de pouvoir magique. Il reflète toutes les séries précitées, se regarde sans déplaisir et présente malgré tout un goût inachevé avec une finalité trop banale.

Je tiens à remercier Walt Disney Studios Home Entertainment (Touchstone Home Video) pour m’avoir proposé ce nouveau test DVD.

La vie roule à merveille pour un tueur parfait qui habite dans une grande maison de campagne isolée. Il est taciturne, solitaire, ne fréquente personne et passe la plupart de son temps à exécuter des cibles, dont le rôle est de faire passer le crime pour un accident. Pour ce genre de job, Arthur Bishop est le meilleur des tueurs. Il est imprévisible, chacun de ses contrats impossibles lui rapporte une fortune. Il ne présente aucune état d’âme, jusqu’à ce son ami et mentor deviennent la prochaine victime sur sa liste, et que le fils de ce dernier décide de mener sa vengeance à ses côtés. Par lâcheté ou par stratégie, ils se retrouvent entraîner dans une mission à très haut risque et leur relation se révéler vite dangereuse. Comment pourront-ils s’allier dans un monde qui les unit et les oppose ?

Pour son nouveau passage derrière la caméra après Terreur sur la ligne (2006), Simon West trouve Jason Statham pour booster son dernier thriller bien plus noir que le précédent où cohabite action, espionnage, sentiment. Il met en scène des personnages solitaires, sombres, rongés par des missions explosives, sollicités par une certaine mentalité.

Le scénario analyse bien la situation de l’acteur, le réalisateur illustre bien l’état d’esprit du flingueur qui déploie sa stratégie afin de mener ses missions le plus discrètement possible. Il fait une entrée sous-marine et offre une mise en scène impeccable lorsqu’il se faufile face à ses « clients ». Le timing est serré, ses exécutions sont machinalement orchestrées jusqu’à l’apparition du fils de l’une de ses victimes et de son « patron » viennent contrecarrer ses missions. Manipulation, tension, trahison, vengeance ? Qui est la cible ? Ainsi, Simon West, le metteur en scène construit son intrigue autour de personnages pris dans les sentiments d’une action explosive, marquée par un déjà-vu avec la saga de Louis Leterrier (Le Transporteur) et une toute petite ressemblance avec Assassins (1993, Richard Donner).

En suivant les destins de ces deux personnages sous les traits de deux flingueurs, le maître (Jason Statham) et l’élève (Ben Foster), on ne peut qu’apercevoir l’évolution de leur troublante relation. Qui va dépasser qui ?

Bien que le film ne se détache pas suffisamment des Transporters, le thriller d’action de Simon West nous entraîne, malgré tout, dans un spectacle hollywoodien intéressant avec des héros plus étoffés qui expriment des blessures, remords, sentiments.

Ce film sorti au cinéma le 6 avril 2011, fait l’objet d’une sortie DVD, Blu-Ray le 16 août prochain. Il est un thriller d’action, sous l’impulsion de la saga des Transporters. Il apporte à Jason Statham un rôle parfait en homme solitaire, taciturne qui se retrouve emmêlé dans des histoires plus ou moins compliquées, en adéquation avec son état d’esprit et son type de rôle au cinéma. Un bon film d’action.

D’autres liens complémentaires et partenaires de Cinetrafic :

• La page du film : http://www.cinetrafic.fr/film/32129/le-flingueur
• Les Blockbusters : http://www.cinetrafic.fr/liste-film/7038/1/les-blockbusters

Le distributeur est Metropolitan Filmexport.

Los Angeles Alerte Maximum.

La vie roule à merveille pour un couple qui s’aime. Il se voit, il se fréquente. L’un attend l’autre dans une belle maison jusqu’au jour où une bombe s’écrase et entraîne un énorme nuage de fumée toxique sur la ville de Los Angeles. La ville est assiégée, la loi martiale est décrétée par les autorités. Les explosions se multiplient, des cendres et des gaz toxiques s’évaporent à une grande vitesse dans cette mégalopole. Par angoisse ou par panique, ils se retrouvent recroquevillés sur eux-même, leur confinement et leur amour se révèlent encore plus terrible que l’attentat lui-même. Comment peuvent-ils à surmonter leur peur face à cette catastrophe ?

Chris Gorak présente son film comme le naufrage d’une société industrialisée, dans laquelle, un jour, un attentat décrète l’état d’urgence. Les habitants, anéantis par la précipitation de l’événement, sombrent dans le chaos contraints de rester à leur domicile, privés de moyens de déplacement. Le thème n’est pas très loin de la science-fiction post-apocalyptique, Chris Gorak illustre ce que les attentats du World Trade Center ou de René Barjavel (Ravage) interprétaient quelques années auparavant : la peur et l’angoisse. Il permet au réalisateur de brosser le portrait d’une société plongée dans la frayeur d’une attaque terroriste bactériologique et de montrer toute la gestion d’une crise dans un pays en état d’alerte maximum.

En suivant les destins (tragiques) des deux personnages sous les traits d’un couple, se parler, se rassurer, se souvenir du passé, on est immergés par l’envergure de cet attentat et l’angoisse permanente de ces deux derniers qui avancent sans rien connaître.

Bien que le budget du film soit dérisoire, l’intrigue manque de qualité et de véracité et le thriller nous percute, malgré tout, par son style très oppressant. Il nous montre à quel point qu’une attaque peut déclencher une panique générale dans une ville de 4 millions d’habitants. Il soulève aussi des questions relatives à la sécurité d’un pays où l’encadrement par les autorités, les pouvoirs publics, l’armée nécessitent un gros travail de préparation.

Ce film sorti au cinéma en 2006, fait l’objet d’une sortie DVD le 11 juillet prochain. Il est un thriller tourné en quasi huit clos dans une maison et des plans de Los Angeles. Il surfe sur l’angoisse et la peur d’un effroyable attentat sur le territoire américain. Seule contrainte, claustrophobes, s’abstenir !

D’autres liens complémentaires et partenaires de Cinetrafic :

• La page du film : http://www.cinetrafic.fr/film/33445/los-angeles-alerte-maximum
• Films catastrophes : http://www.cinetrafic.fr/liste-film/1364/1/le-film-catastrophe

Le distributeur est Metropolitan Filmexport.

Ainsi, la manière d’assumer ces thèmes par un semblant de risque démesuré et de crash dévastateur n’est pas anodine. Bien au contraire, Roel Reiné nous pousse donc dans les entrailles d’un système médiatique et politique dépravé que seule la motivation du personnage principal et la sensualité d’une pimpante brune à la tenue alléchante viennent apporter une note de glamour à un film typiquement américain qui n’hésite pas à appuyer sur le détonateur et sortir les gros engins explosifs.

D’emblée, le réalisateur pose sa mise en scène pour mieux nous faire partager l’effroyable pénitentier : le Terminal Island où cohabite de violents combats qui s’expriment par les poings, le sang et les cris d’une foule, exploitée par des journalistes scrupuleux, et dont la condition humaine est réduite à un audimat télévisuel. Il suffit d’une belle blonde – un peu trop ambitueuse et crédible – pour faire de cet environnement carcéral le plus «  incontournable » de la TV US (ou des fanatiques passionnés de risques extrêmes).

Parmi ces détenus plus ou moins dangereux se cachent Carl “Luke” Lucas (Luke Goss), un homme droit, calme et loyal qui purge sa peine comme il peut malgré les nombreuses menaces qui planent sur sa tête. Il s’allie très vite avec un groupe de « juifs mexicains », caractérisé par leur sens de l’humour aussi percutant qu’un pic à glace. Son unique chance de rester en vie. Dès lors, cette même équipe de télévision représentée par cette maudite présentatrice décide d’organiser un nouveau jeu y présentant le risque comme un synonyme de liberté et de vie. Lucas lutte tente bien que mal pour survivre jusqu’au jour où il croise une mission (féminine) qui va l’engager dans les hautes sphères d’un milieu corrompu : la politique, les médias ne cessent de brouiller les pistes pour mieux souligner la motivation et la grandeur réelle d’une course automobile dopée par des dispositifs tout aussi puissant qu’une dynamique. Leur couple détonne, la synergie de ces deux êtres, le charisme de l’un et la sensualité de l’autre vont plonger ce combat dans une véritable quête de vérité, là où tous les coups sont permis.

Dès lors, le réalisateur impose efficacement toute l’adrénaline nécessaire dans une course où de vieux ralentis et dérapages incontrôlés viennent adoucir la température du bitume. Les images tremblent y déambulent et se raccrochent à Lucas qui prend les devants d’une course comme un vrai gagnant. Le cran intègre son personnage, l’adrénaline qui monte, les pneus qui crissent l’asphalte, les voitures qui explosent, ne cessent d’être omi-présents jusqu’à ce que la tension et des rebondissements plus ou moins véraces interviennent dans le but d’apporter une motivation à Lucas et de proposer un film d’action 100% américain, sans jamais déroger les règles du genre ! Et, puis, lorsqu’une rencontre féminine « co-pilote » l’intrigue, s’ajoute un zeste de glamour pour mieux conforter l’idée du héros où chaque détenu, le coeur battant, avançait du mieux qu’il pouvait dans un décor ensablé, orné de redoutables pièges. De ce fait, les angles des caméras sont assez rapprochés, traduisant la chute inévitable de Carl “Luke” Lucas.

Enfin, Roel Reine y mélange des thèmes propres à Resident Evil et Fast Furious avec en toile de fond une course contre une administration pénitentière décadente. Il prend le pari osé de la raccrocher à une fiction américaine, insufflant une tension semblable aux courses-poursuites qu’à la lutte d’un Frankenstein. Un film d’action qui ne se distingue pas d’un genre connu où existe adrénaline, tension et risque inutile !

La bande-annonce se trouve ICI.

NDR : Merci à Olivier pour ce nouveau test DVD.

Patrick Swayze

Si Patrick Swayze était un si grand homme, c’était pour de nombreuses raisons. Tout d’abord, c’était un excellent danseur, puisque c’était son métier avant d’être propulsé sur le devant de la scène grâce à un film mythique : Dirty Dancing. Film pour lequel il a également participé en tant que chanteur pour l’une des musiques, mais nous y reviendrons. C’était également un sportif doué pour toutes sortes de sports : la danse bien évidemment, puisqu’il a été premier danseur de la compagnie Eliot Feld, avant d’avoir des problèmes au genou et de songer au métier d’acteur. Mais aussi le parachutisme, qu’il pratiquait à haut niveau et les arts martiaux (notamment le karaté). Enfin, il était un acteur hors pair, qui a joué dans des succès très importants comme Ghost ou Point Break, désormais cultes.

Mais ce qui distinguait cet acteur des autres, c’était son charisme et sa grâce infinie. Il avait ce qu’on appelle “une gueule”, des expressions de visage bien à lui, un sourire reconnaissable entre tous, une présence impressionnante. Et un talent incroyable. Mais parlons maintenant de ses films les plus cultes.

I. Dirty Dancing

C’est celui qui a révélé Patrick Swayze au grand public, désormais connu de tout le monde. Sorti le 23 décembre 1987, réalisé par Emile Ardolino, ce film qui a pourtant exactement le même âge que moi n’a qu’assez peu vieilli. Bien sûr, il garde les clichés habituels des films des années 80, mais l’ambiance dans laquelle est plongé Dirty Dancing est quelque chose que j’adore retrouver à l’écran. L’aspect “vêtements démodés”.

Ce film raconte l’histoire de Bébé, une jeune femme qui, pendant ses vacances ennuyeuses, rencontre un groupe de danseurs dans le village. Elle fait alors connaissance avec un professeur de danse, Johnny, qui va lui apprendre le “dirty dancing”, une danse sensuelle grâce à laquelle elle va vivre une histoire d’amour plutôt romantique.

Ce qui fait l’aspect culte de ce film, ce sont tout d’abord les acteurs et les répliques inoubliables. Si certains dialogues sonnent clichés ou naïfs, cela ne fait que renforcer son caractère “mythique”. Certaines répliques sont drôles, vraiment drôles, comme “On ne laisse pas Bébé dans un coin” ou “L’homme est un loup pour l’homme et surtout pour la femme“. Elles s’alternent avec des scènes tantôt romantiques, tantôt musicales. On retrouve également le thème souvent rencontré au cinéma du père et de sa fille, tous deux en léger conflit à cause des fréquentations de cette dernière. Et Jerry Orbach est vraiment excellent dans son rôle de papa pas si méchant que ça. Le scénario est passionnant, même pour quelqu’un qui n’a pas grand intérêt pour la danse. C’est en partie grâce à Patrick Swayze et Jennifer Grey, qui forment un couple absolument génial.

Jennifer Grey et Patrick Swayze

Le film est également inoubliable grâce à sa magnifique BO. Des musiques vraiment géniales, que tout le monde connait et qui apportent une certaine émotion. A commencer par le thème général du film, The Time of my Life. Une musique absolument sublime, parfaitement dans l’esprit et le ton du film.

En écoute avec Deezer » The Time of my life

www.deezer.com/track/1131129

Autre musique magnifique, She’s like the Wind, chantée par Patrick Swayze. Une musique que tout le monde connait (ici). Sinon, le film fourmille de musiques cultes mais géniales comme Be my baby, de The Ronettes (ici), ainsi que In the Still of the Night de The Five Satins, vraiment superbe (ici).

C’est donc un film inoubliable, qui fait partie du panthéon du cinéma, ne serait-ce que pour avoir révélé Patrick Swayze. Voici la bande-annonce :

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Patrick Swayze a également fait une apparition dans Dirty Dancing 2, où il joue un professeur de danse.

II. Ghost

Demi Moore et Patrick Swayze

William a déjà fait un article sur ce film que vous pouvez lire ici.

Ce film fait également partie de ces pépites cultes que tout cinéphile doit posséder dans sa filmothèque. Un pur bijou d’humour, de frissons et d’émotion à travers une magnifique histoire et un scénario excellent. Tout comme dans Dirty Dancing, on a ici du romantisme, mais aussi une intrigue captivante.

Sorti en 1990 et réalisé par Jerry Zucker, Ghost fait toujours pleurer dans les chaumières. Le couple formé par Patrick Swayze et Demi Moore est tout simplement magique. On voit la grande complicité entre les deux personnages, Molly Jensen et Sam Wheat, et l’amour qu’ils ont l’un pour l’autre. Mais un drame va venir bousculer leurs deux vies respectives ; Molly se retrouvant seule, et Sam ne pouvant plus aller et venir qu’à l’état de fantôme. Mais il va faire la rencontre d’une médium à priori incompétente qui va l’aider à communiquer avec sa chère et tendre, magistralement jouée par Whoopi Golbderg.

Patrick Swayze et Whoopi Goldberg

Le sujet du film est relativement peu exploité au cinéma. Généralement, à l’écran, les fantômes sont là pour faire peur, ils sont agressifs. Ici, le film est basé sur le point de vue de Sam Wheat, devenu un simple revenant après sa mort. Le film est truffé de détails et d’humour bien senti, grâce notamment au duo Swayze/Goldberg. Des dialogues bourrés de répliques cultes, comme le génial “Je suis Henri le huitième ! J’ai épousé la veuve d’à côtééé“, ou encore “Excusez-moi, pourrais-je avoir un autre chèque ? Je n’ai pas signé le bon nom…“. Tout ceci mêlé à une histoire émouvante et touchante, magnifiquement interprétée. Demi Moore est magnifique dans ce film, pleine de talent, poignante et parfaitement crédible. Malheureusement, je ne connais que peu cette actrice mais il est évident qu’elle a signé dans ce film un de ses meilleurs rôles. Patrick Swayze est tout simplement… fidèle à lui-même : parfait, drôle, émouvant. Le dénouement du film est l’une des meilleures fins que le septième art nous ait procuré jusqu’à maintenant. Quelle scène, wouah ! Comment ne pas pleurer sous une telle émotion ? Swayze est ici d’un talent hors norme, avec, entre autre, un regard absolument incroyable. Peu d’acteurs savent jouer avec leur regard comme il le fait dans cette scène. Il nous transmet une quantité impressionnante d’émotion. Il en va de même pour Demi Moore. C’est d’ailleurs avec une tristesse incroyable et un nouvel oeil que l’on voit la fin de ce film depuis que l’acteur nous a quittés.

Mais surtout, ce qui vient s’ajouter à tout le reste, c’est la musique. Encore une musique totalement culte qui nous rappelle la fin du film avec une telle puissance que l’émotion revient instantanément. Quelle beauté. Unchained Melody est un morceau incontournable pour les amateurs de BO. Difficile d’exprimer ici ce qu’on peut ressentir en écouter ce chef d’oeuvre musical. Vous pouvez devez l’écouter en entier ici. Une des meilleures et plus tristes musiques de films jamais composée.

La bande-annonce :

Cliquer ici pour voir la vidéo.

III. Point Break

Keanu Reeves et Patrick Swayze

Un autre chef d’oeuvre incontestable, sorti en 1991 dans lequel on retrouve Patrick Swayze et Keanu Reeves. Ils interprètent respectivement Bodhi, un surfeur zen qui recherche sa “vague métaphysique”, et Johnny Utah, un jeune inspecteur du FBI qui va s’infiltrer dans le milieu des surfeurs de Los Angeles, soupçonnés de multiples braquages de banque. Mais une forte et étrange amitié va se lier entre eux, et Johnny va connaître le côté spirituel du surf, ainsi que la philosophie d’un autre mode de vie basé sur la recherche d’adrénalyne.

Si ce film est si bon, c’est parce qu’il nous montre l’évolution de Johnny Utah. Face à sa volonté d’attraper les braqueurs vient se heurter son envie de quête spirituelle. Keanu Reeves est vraiment génial, c’est d’ailleurs un de ses meilleurs rôles avec la trilogie Matrix. Patrick Swayze est également incroyable et joue parfaitement son rôle de maitre zen qui recherche “de l’adrénalyne pure à 100%”. Un principe de vie qui le mène à différentes activités comme le parachutisme ou le surf. Enfin, l’actrice Lori Petty est magnifique et très talentueuse. Ce film est tout simplement frissonnant, car on ne peut s’empêcher d’être admiratif devant Bodhi, d’autant que Patrick Swayze lui donne une profondeur vraiment extrême. Il joue ce rôle avec une telle simplicité, une telle crédibilité et un tel talent…

Le film fourmille de scènes cultes, comme la poursuite entre Bodhi et Johnny, les scènes de surf, les dialogues géniaux à propos de l’adrénalyne, le sentiment le plus jubilatoire sur Terre. Mais surtout, il est évident que la scène finale est magnifique. Un Johnny Utah complètement changé et un Bodhi face à la mer, pouvant enfin affronter la vague de ses rêves. Un dénouement magnifique que je ne vais pas développer mais qui est vraiment sublime.

En bref, ce film transmet une sensation incroyable de liberté, de pureté de l’âme, et nous donne même une leçon de vie. Le thème abordé est vraiment très fort.

Enfin, on entend, tout au long des scènes, des musiques absolument sublimes signées Mark Isham. Des musiques qui transmettent parfaitement l’ambiance de la beauté des vagues. Une BO profonde, enivrante, et relaxante. Vous pouvez écouter une de ces musiques ici, même si la plus belle à mon goût reste Surfin’s the Source, à écouter ici.

Pour finir, voici le trailer de ce film culte.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

IV. La Cité de la Joie

Sorti en 1992, ce film pourtant assez peu connu est excellent. Réalisé par Roland Joffé, il met en scène Patrick Swayze dans le rôle d’un docteur, Max Lowe, qui se lie d’amitié avec une famille indienne en difficulté, dans un contexte assez désagréable face à un parrain exigeant une augmentation des tarifs de protection suite à un agrandissement de son dispensaire.

Un film très humain, qui montre l’évolution du personnage au sein d’un pays très différent du sien. Il va apprendre à connaître les habitants du village Bihar, leurs difficultés pour les aider comme il le peut, malgré certaines réticences.

Le film est parfois drôle, parfois très émouvant. L’acteur montre une fois de plus son grand talent et sa présence incroyable, qui donnent lieu à des scènes géniales et à une histoire passionnante.

Un extrait du film :

Cliquer ici pour voir la vidéo.

V. Donnie Darko

Plus récemment, en 2001, Patrick Swayze a joué dans Donnie Darko, un magnifique film, calme et lent. Il joue le rôle d’un présentateur qui vante les mérites de sa thérapie de “l’amour”. Un second rôle assez amusant où il excelle, bien entendu.

J’ai déjà fait la critique de ce film, que vous pouvez lire ici.

RIP Patrick Swayze, je pense que nous ne pourrons jamais oublier un tel acteur, avec son charisme absolu et son talent incroyable. Il repose à présent parmi les plus grands acteurs de tous les temps.

C’est l’histoire Marek, un officier de la police judiciaire, qui perd son collègue et meilleur ami lors d’une opération contre un réseau de trafiquants de drogue. Marek est alors muté dans un nouveau service de la PJ chargé des opérations d’infiltrations. Formé comme agent sous couverture, un “undercover“, il sera chargé d’infiltrer un gang de trafiquants de drogue qui importe de la résine de cannabis en grande quantité depuis l’Espagne. La méthode de transport utilisée est celle du Go Fast : des voitures chargées de drogues remontant à très grande vitesse depuis le sud de l’Espagne vers des villes françaises (Source Allociné).

Olivier Von Hoofstadt réalise Go Fast, une histoire vraie assez convaincante mais pas suffisamment originale. On comprend aussi vite que le film a été produit par la production EuropaCorp, société de Luc Besson. Comme d’habitude, ce dernier mélange ses 3 genres préférés (thriller, action, policier) coincés entre courses-poursuites de gros bolides (un peu genre Fast & Furious), trafiquants de drogue méchants, un officier de police dur et sensible…

Roschdy Zem

Les scènes sont assez réalistes, elles sont parfois extrêmes, et la manière dont elles sont filmées permet de renforcer davantage la profondeur, la noirceur et le réalisme du film (caméra à l’épaule, suivi voiture). Le film est très nerveux parfois d’une tension extrême, Go Fast allie le plaisir d’un bon thriller à la force d’un documentaire. Le tout porté par un Roschdy Zem au mieux de sa forme…

Roschdy Zem

Roschdy Zem

Il est vrai aussi parce qu’on le remarque assez bien, le personnage principal ne tombe jamais (ou presque peu) dans l’excès de la vengeance personnelle et de l’alcool suite à la mort de son coéquipier et ami. Le film est très appréciable, on passe un bon moment (surtout hier soir grâce au service VoD d’Orange). La référence de ces films fait référence à ceux d’Olivier Marchal même si on est loin, et là on peut dire que Go Fast est un bon thriller français « à la sauce américaine », ça bouge, c’est ancré dans le réel et puis c’est Luc Besson qui produit. On connait tous ce grand monsieur, il a toujours su nous surprendre avec Nikita, Léon, Jeanne d’Arc, Le Cinquième élément, l’explosif Taken avec Liam Neeson, et encore plus explosif, sa dernière production où il retrouvera prochainement Pierre Morel, From Paris With Love ! avec John Travolta.

Allez je vous passe le trailer carrément explosif de Go Fast :

Entretien réalisé le jour de la sortie du film à l’UGC CINE CITE ROSNY (93) :

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Réalisé par Cédric Belliard et Stéphane Gays
Production ClapFilms – www.clapfilms.fr

Enfin, je vous présente le making-of qui se déroule à une vitesse affolante tout comme le film :

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Résumé : Que peut-on imaginer de pire pour un père que d’assister impuissant à l’enlèvement de sa fille via un téléphone portable ? C’est le cauchemar vécu par Bryan (Liam Neeson), ancien agent des services secrets américains, qui n’a que quelques heures pour arracher Kim, sa fille des mains d’un redoutable gang spécialisé dans la traite des femmes. Premier problème à résoudre : il est à Los Angeles, elle vient de se faire enlever à Paris…

Bande-annonce en VOST :

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Ce film restera l’un des meilleurs thrillers français, il est excellent de part l’histoire qui se déroule à une vitesse affolante, une musique angoissante et d’autre part la présence toujours imposante d’un acteur charismatique, tel que Liam Neeson. Et le tout signé Pierre Morel pour un scénario original de Luc Besson. Ils nous livrent un thriller qui ne fait pas dans la dentelle avec une mise en scène soignée aux petits oignons.

Attention, cet article révèle en détails certains passages et certaines idées des films, ainsi que leur dénouement. Il a pour but d’essayer de faire apprécier la trilogie aux gens qui ne sont pas convaincus de sa qualité et s’adresse donc uniquement aux internautes ayant vu les films.

Neo contre l'agent Smith

Keanu Reeves, qui interprète Thomas Anderson dit Neo (l’anagramme de One, l’Elu), résume parfaitement la trilogie : “Le premier film traite de la naissance, le second de la vie, et le troisième de la mort”. Les réalisateurs ont mis plus de cinq ans à peaufiner le scénario de Matrix afin de le rendre compréhensible et accessible au public. Cette trilogie marque une révolution dans l’ère du cinéma par ses effets novateurs, son scénario en béton et son montage époustouflant. Les trois films alternent des scènes de combat époustouflantes avec des dialogues terriblement intelligents et scénaristiquement incroyables.

I – Matrix

Affiche du film

Ce premier film, sorti en juin 1999 (ça ferait 10 dans deux semaines), est une réussite incroyable et a eu un succès immédiat auprès du grand public. En plus d’un score mythique au box-office, ce film a marqué les esprits pendant longtemps. Même si le tournage n’a duré que 25 semaines, il ne fut pas de tout repos. Les quatre acteurs principaux du film ont subi pendant six mois un entraînement intensif d’arts martiaux afin de pouvoir tourner certaines scènes. Keanu Reeves, qui s’est alors blessé au cou, a même dû s’exercer avec une minerve ! De même, Laurence Fishburne, allergique à la poussière, a vécu un calvaire lors d’une scène de combat avec Hugo Weaving. Ce dernier quant à lui s’en est sorti avec deux côtes cassées et un poignet presque fêlé.

Le scénario de Matrix est ingénieux et complexe. Thomas Anderson, programmeur dans un service administrateur, est également un grand pirate informatique connu sous le nom de Neo. Il est hanté par ses rêves, qui le forcent à se poser une question qu’il ne comprend pas : “Qu’est ce que la matrice ?”. Mais voilà qu’un jour, Thomas a une réponse à sa question. Il rencontre un dénommé Morpheus qui lui explique que le monde dans lequel il vit n’existe pas, que c’est un monde virtuel appellé la Matrice, contrôlée par des machines. Persuadé que Neo est l’Elu dont parle sa prophétie, Morpheus entame avec lui sa lutte contre la Matrice et ses agents que rien ne semble pouvoir arrêter.

Tout d’abord, ce film est un monument au niveau de son scénario. Les images qu’il donne sont presque philosophiques. Même si l’idée est de base un peu simpliste (un “super-héros”, un élu sauveur de la Terre), le film ne parle pas que de ça, loin de là. Il est travaillé, captivant et l’histoire est profonde. Car le film exprime l’idée que les machines ont pris le pouvoir sur la Terre, et qu’elles nous cultivent. Capables de nous mettre au monde sans avoir besoin d’autres humains, elles créent des champs entiers d’humains et les contrôlent totalement. Pour acquérir ce contrôle, rien de plus simple : elles nous font croire que le monde dans lequel on vit est un monde irréprochable, une perfection illusoire qu’elles nous mettent devant les yeux. C’est ce monde idéal, créé de toutes pièces, qui est appellé Matrice. Le monde réel, quant à lui, est dévasté et une mince poignée de survivants tentent vainement de rétablir la liberté dont les hommes ne jouissent plus. Mais ça n’est pas si simple, car les humains n’ont aucune connaissance de ce fait, et surtout ils se complaisent dans ce monde imaginaire où ils se sentent bien et protégés, en sécurité.

Carrie-Anne Moss et Keanu Reeves

Maintenant que j’ai situé le contexte, je peux vous présenter les personnages. Tout d’abord, le plus important d’entre eux, à savoir l’Oracle. L’Oracle est une femme qui vit dans la Matrice, mais qui a connaissance de toute l’histoire. Elle a le don de voyance et révèle des choses essentielles aux personnages pour qu’ils puissent avancer. Ainsi, elle est à l’origine d’une prophétie selon laquelle seul l’Elu pourra rétablir l’ordre des choses et mener les humains à leur liberté. Et c’est Morpheus qui a la lourde tâche de trouver cet Elu. Morpheus fait partie des rares survivants qui sont toujours dans le monde réel et qui détiennent la vérité à propos de la guerre contre les machines. Ils peuvent à leur guise aller dans la Matrice, toujours sombrement vêtus avec des lunettes noires pour se protéger de la vive lumière du Soleil qu’ils ne connaissent plus. Ainsi, persuadé que la prophétie de l’Oracle va se réaliser, Morpheus s’impose en meneur de la rébellion. C’est alors qu’il trouve Neo, un pirate informatique, et qu’il pense avoir enfin découvert l’Elu.

Thomas Anderson, dit Neo, a au fond de lui une certitude étrange : celle qui le pousse à se demander “Qu’est-ce que la Matrice ?”. C’est alors qu’intervient Trinity, une des rebelles qui le mène à Morpheus. Neo finit par accepter, avec difficulté, que Morpheus dit vrai sur le mensonge de sa vie. C’est alors que l’histoire débute.

Mais alors, qu’est-ce donc que la Matrice ? Comme je l’ai dit, c’est un gigantesque programme qui sert de leurre. Elle obéit à des lois qui sont différentes des lois que nous connaissons. Seulement, les humains étant conditionnés à obéir à certaines lois, ils ne peuvent pas exploiter les incroyables pouvoirs que peut leur procurer la Matrice. En effet, la Matrice est un monde totalement virtuel, c’est un programme informatique qui peut donc être piraté ! Les personnes qui savent que cette dimension est virtuelle peuvent alors repousser les limites des lois qui les entourent, comme la loi de gravitation. Ainsi, ils sont capables (avec de l’entraînement) de faire des choses qui paraissent impossible, comme sauter d’immeubles en immeubles ou encore se battre de façon extraordinaire. Malheureusement, la douleur est également fictive mais l’esprit, corrompu par ce monde qui semble si réel, croit que tout est vrai. Ainsi, il faut posséder une très grande force mentale pour parvenir à faire de véritables petits exploits et pirater le système. C’est ainsi qu’à la fin du film, on apprend que Neo est bel et bien l’Elu, capable plus que quiconque de modifier le programme de la Matrice.

Les agents, dont l’agent Smith, sont des programmes créés par la Matrice afin éviter que des humains ne s’introduisent dans le monde réel. Ils sont là pour empêcher une rébellion de s’y former, mais n’ont cependant pas le pouvoir de sortir de la Matrice. Ils ont un contrôle parfait de la Matrice et parviennent à la transformer à leur guise, jusqu’à s’introduire dans le corps d’une autre personne.

La Matrice vue par l'Elu

Concernant ce premier volet, j’ajouterai que, en plus de l’incroyable scénario du film (la cuillère n’existe pas !), le travail esthétique est également éblouissant. Les effets spéciaux sont novateurs dans l’histoire du cinéma, époustouflants et très rythmés. Les scènes d’arts martiaux sont tout simplement des petits bijoux visuels, techniquement parfaits, tandis que d’autres scènes se démarquent par leurs ralentis ou effets de caméra impressionnants.

De plus, les acteurs sont tous merveilleux et talentueux dans leurs rôles et je ne sais pas si quelqu’un d’autre que Keanu Reeves aurait pu être à la hauteur de la performance d’acteur qu’il nous offre. Laurence Fishburne, Carrie-Anne Moss mais surtout Hugo Weaving, qui semble abonné aux trilogies à succès, sont magistraux et incroyables. Ils ont une présence folle dans leurs scènes et sont très charismatiques.

Je n’en dirai pas plus pour ce premier volet qui est loin d’être le plus intéressant. Voici la bande-annonce de ce premier film.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

II – Matrix Reloaded

L'affiche

Ce deuxième volet, Matrix Reloaded, est bien plus curieux et profond. La raison en est simple : elle s’adresse à des spectateurs qui ont envie de réfléchir et qui veulent essayer de comprendre ce que peut bien vouloir dire ce film. Et une fois qu’on cherche à le saisir, et qu’on voit les détails et les subtilités incroyables de ce film, on ne peut qu’en ressortir hébété de respect pour l’intelligence et la finesse des réalisateurs. Car non, cette suite n’est pas du tout commerciale comme moi-même je l’avais cru au début. J’ai vite compris mon erreur en revoyant ce film une deuxième fois et en cherchant à savoir ce qu’il signifiait. Et une fois que c’est fait, on se rend compte très rapidement que, loin d’être commerciale, cette suite était tout simplement nécessaire.

Dans ce volet, Neo prend de plus en plus conscience du pouvoir qu’il a. Son esprit se libère et il comprend de mieux en mieux ce qu’a voulu dire Morpheus dans le premier volet : Don’t think you are, know you are… On apprend que le groupe mené par Morpheus n’est pas le seul à constituer la rébellion et que des centaines de résistants se trouvent dans un endroit appellé Zion.

Commençons tout d’abord par expliquer le titre étrange de ce film. Reloaded signifie “rechargement”, en jargon informatique on pourrait même dire “reboot”, soit “redémarrage”. Pourquoi ce terme ? Tout réside dans le discours de l’Architecte à la fin du film.

Explication de la scène finale

L’Architecte est un personnage important puisque c’est lui qui est principalement à l’origine de la Matrice. Il en est le créateur, peut-être avec une autre personne (ce que l’on découvre dans le troisième volet). A la fin du film, Zion est sous le contrôle imminent des sentinelles, des machines qui ont pour but de détuire les rebelles. Alors qu’elles sont proches d’atteindre leur but, Neo parvient enfin à entrer, grâce au maître des clefs, dans une salle appellée la Source. Ce lieu, c’est l’endroit crucial, qui permet justement de revenir aux sources, de tout recommencer. Mais qu’est-ce que cela signifie ?

Lors de la conversation entre Neo et l’Architecte, ce dernier lui explique qu’il représente une anomalie dans la Matrice, et lui propose un choix. Soit il prend la porte de droite, ce qui entraine le Reload (c’est-à-dire la remise à zéro) de la Matrice, soit il prend celle de gauche, qui le fera revenir dans la Matrice pour tenter de sauver Zion et Trinity. Ces deux choix ont de fortes implications. Dans le premier cas, la Matrice est remise à zéro, tout est effacé et on revient au point de départ. Neo choisira alors 23 personnes, 7 hommes et 16 femmes, pour recomposer Zion. C’est-à-dire que TOUT reprend à partir de zéro, y comprit Morpheus et la recherche de l’Elu, Neo. Seuls l’Oracle, l’Architecte, le Mérovingien et probablement l’agent Smith ne sont pas remis à zéro et gardent ainsi tous les souvenirs de ce qui s’est produit. Dans le deuxième cas, Neo prend le risque d’assister à la destruction entière de Zion s’il ne parvient pas à les sauver.

A la fin du film, étrangement, Neo choisit de retourner dans la Matrice pour sauver celle qu’il aime : Trinity. Le film se finit alors sur le sauvetage de la belle, et on nous réserve la lutte contre les sentinelles pour le dernier volet.

L’élément très intéressant de ce film réside dans le fait qu’on apprend que ça n’est absolument pas la première fois que Neo arrive dans la salle de l’Architecte. A en croire le créateur de la Matrice, celle-ci a déjà été remise à zéro 5 fois, choix effectué par Neo et qui fut toujours le même : le Reload de la Matrice. Et Neo étant une anomalie, cette anomalie réapparaît à chaque redémarrage du programme. D’ailleurs, les écrans derrière Neo nous montrent toutes les réactions que Neo a eu durant les 5 précédentes fois et dont il n’a aucun souvenir.

Neo, à la Source

Vous pouvez revoir cette scène en anglais ici, qui est beaucoup plus compréhensible avec tous ces éléments en main.

Seulement cette fois, son choix n’est plus le même. Pourquoi ? Il y a de bonnes raisons de penser qu’à chaque fois que Neo recharge la Matrice, il conserve en lui une légère mémoire qui lui permet de changer certains événements d’une version à l’autre de la Matrice. Cette mémoire intervient par les rêves prémonitoires qu’il a (la mort de Trinity par exemple). Cette fois-ci, Neo décide de prendre le risque et de retourner en arrière pour sauver Zion.

Voilà pour cette scène qui nous en apprend beaucoup plus sur l’origine de la Matrice.

Cependant, une question nécessaire s’impose : le monde dit “réel” l’est-il vraiment ? Il y a de fortes chances que non. Premièrement, comment remettre à zéro un élément du monde réel (à savoir Zion) ? Si Zion est repeuplée et remise à zéro, c’est qu’elle fait partie d’un programme au même titre que les agents et la Matrice. Deuxièmement, on voit dans le troisième volet que l’agent Smith parvient à s’infiltrer dans le monde dit “réel”. Comment est-ce possible alors qu’il n’est qu’un programme et qu’il est incapable de sortir de la Matrice ? Enfin, le dernier indice qui me permet d’affirmer que le monde “réel” ne l’est pas, c’est la dernière action de Neo dans Matrix Reloaded. Neo, dans une ultime concentration, parvient à arrêter les sentinelles avec son esprit exactement de la même manière qu’il avait arrêté les balles à la fin du premier opus ! Or, ce genre de choses est totalement impossible, à moins que les humains dans le monde réel n’aient des super-pouvoirs, ce qui est totalement incohérent avec le reste du film.

Il n’est donc pas exclu que la Matrice soit un monde virtuel insérée elle-même dans un autre monde virtuel. Comment alors savoir où se trouve le réel ? Est-ce qu’il y a ainsi différents “mondes” qui s’emboîtent ? Libre à vous de penser ce que bon vous semble… C’est en ce point précis que Matrix est une trilogie intelligente, car chacun peut en faire son interprétation personnelle et elle fait réfléchir le spectateur comme jamais aucun film n’aura fait réfléchir.

Dernier point concernant ce film : l’agent Smith. L’agent Smith est un programme extérieur à la Matrice, qui lui a échappé, un programme qui est devenu totalement libre à la fin du premier volet. Son unique but est de renverser les machines afin de prendre le contrôle total de la Matrice et du monde “réel”. Mais ses plans sont contrariés par Neo. Il est évident que l’agent Smith garde sa mémoire à chaque Reload. En effet, pendant tout le film, l’agent Smith prend un malin plaisir à rejoindre Neo exactement où il se trouve, ce qui étonne d’ailleurs beaucoup l’Elu. On peut retenir une discussion très intéressante entre Smith et lui-même (un des ses sosies) à un moment du film : “That went as expected… It’s happening exactly as before” que l’on peut traduire par “ça s’est passé comme prévu, exactement comme précédemment”. L’explication est simple : si Smith retrouve Neo à tous les coups, c’est tout simplement parce qu’il SAIT où Neo va aller. Car l’Elu a déjà emprunté ces chemins par 5 fois dans le passé, l’histoire se répétant à chaque Reload (à quelques détails près). Il sait donc exactement ce que va faire Neo. Comme il sait que Neo va, comme les précédentes fois, remettre la Matrice à zéro, il va tout faire pour l’empêcher d’arriver à ses fins, pour avoir une chance de contrôler le monde réel à lui seul. C’est pourquoi pendant tout le film, il va essayer de se dupliquer dans Neo afin de le faire disparaitre.

Mais cette fois-ci, Neo décide de retourner dans la Matrice au lieu de la recharger, ce qui offre une opportunité à Smith de continuer son but et qui fera l’objet du dernier volet de la saga pour l’ultime affrontement entre Neo et Smith.

Voici pour finir la bande-annonce de ce film avec toujours des scènes incroyables, rythmées et époustouflantes.

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III – Matrix Revolutions

L'affiche

Ainsi donc, cette trilogie n’est pas si évidente à comprendre. Et le dernier volet indispensable est tout aussi incompréhensible si on ne se penche pas sur le sujet un minimum. Outre les scènes magnifiques de combats et les effets spéciaux, il existe dans ce film des explications et des paroles qui ne finiront jamais de faire parler les fans de la saga.

Voici donc le dernier volet de cette saga passionnante. Pour raccourcir l’article, je ne parlerai que de la fin. Neo est donc revenu dans la Matrice et a sauvé Trinity. Il lui reste à sauver Zion. Pendant tout le film, il ne va chercher qu’à faire une seule chose : se rendre dans la ville des machines pour rencontrer le Deus Ex Machina afin de conclure un pacte avec les machines.

C’est ainsi qu’il y parvient, à la toute fin, et qu’il se retrouve face au “chef” des machines, seul et aveugle. Son marché est facile à comprendre. Il explique aux machines qu’il sait très bien quelle est leur menace : l’agent Smith, qui risque de prendre le contrôle total du monde réel et des machines. Neo affirme être le seul à pouvoir battre l’agent Smith. Il propose donc d’être introduit dans la matrice pour pouvoir anéantir Smith. Il y a alors deux possibilités : soit Neo réussit, et dans ce cas, les machines promettent de laisser Zion tranquille, soit il échoue et alors les machines auront tout le loisir de tuer Neo dans le monde réel.

Sur ce pacte, les machines expédient Neo dans la Matrice afin de détruire l’agent Smith. Viennent alors des scènes d’anthologie dans ce film. Tout d’abord, la scène du combat entre l’agent Smith et Neo, sous le regard de milliers d’agents Smith dupliqués.

L'agent Smith

Le combat final sous un déluge de pluie

Puis, bien sûr, la fin magistrale. Même si certains en doutent peut-être et voient le dernier acte de Neo comme un acte de faiblesse, il est pourtant évident que Neo se sacrifie. A la fin, Neo se retrouve face à Smith et comprend parfaitement qu’il ne parviendra pas à le tuer, car il est devenu beaucoup trop puissant. Il comprend alors qu’en se laissant dupliquer et en perdant volontairement le combat, les machines considèreront que Neo a échoué dans sa mission. Elles décident donc de le tuer dans le monde réel.

Neo, aveugle face à la ville des machines

Cependant, lorsqu’elles le tuent dans le monde réel, il meurt également dans la Matrice ! Or, le Neo de la matrice s’est transformé en l’agent Smith qui explose de joie devant cette victoire tant attendue. Une joie qui ne durera pas longtemps puisqu’en toute logique, il est totalement détruit grâce au sacrifice extraordinaire de Neo.

La toute fin du film nous montre l’Oracle et l’Architecte entrain de discuter. On en déduit que comme Neo est enfin détruit, le Reload de la Matrice peut s’effectuer une nouvelle fois. On peut voir en l’Oracle et en l’Architecte les mère et père de la Matrice. Ils ont l’air assez impassibles quant aux événements qui viennent de se produire et qui ne semblent jamais s’être produits par le passé. Mais ils paraissent soulagés tout de même, apaisement traduit par la fameuse phrase “On l’a échappée belle, cette fois-ci“. Ceci signifie que lors de cette sixième version de la Matrice, l’agent Smith a bien failli prendre le contrôle total du monde et qu’il s’en est fallu de peu. Ce qui laisse présager un mauvais tournant pour la septième version…

Le personnage de l’Oracle, finalement, est assez mystérieux et on peut se demander quel est son rôle dans l’histoire. En effet, elle ne semble agir que pour inciter Neo à trouver la Source pour effectuer le Reload. Dans le deuxième volet, elle ne lui apporte pratiquement aucune réponse et ne cherche qu’une chose, à savoir donner les moyens à Neo de trouver le maitre des clefs avant que l’agent Smith ne l’en empêche. Quoiqu’il en soit, il semble que l’Oracle mente à Morpheus en ce qui concerne la prophétie qui n’existe absolument pas.

On en vient finalement à se demander si l’Oracle et l’Architecte ne sont pas deux personnes qui ont absolument tout créé, la Matrice, le monde “réel” et tout le reste pour lancer une simulation, comme un “jeu” qui tournerait en boucle pour en faire une expérience.

Voici la bande-annonce de ce dernier volet.

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Pour finir, j’espère que cet article vous aura intéressé, peut-être informé sur cette trilogie. J’espère même avoir fait changer l’avis de plusieurs personnes concernant ces films extraordinaires, complexes et absolument pas commerciaux. Je pense tout simplement qu’il faut voir et revoir ces films, sans modération, pour les comprendre mieux à chaque fois. Personnellement, écrire cet article m’a fichtrement donné envie de les revoir.

Voilà tout, je serais vraiment heureux de pouvoir continuer le débat dans les commentaires. Je pense aussi que beaucoup de personnes ne sont absolument pas d’accord avec ces théories, et ils ont bien raison puisque ces explications sont personnelles et loin d’être immuables. Il me reste beaucoup à apprendre sur Matrix et j’attends donc vos réactions et vos avis.

Frodon Saquet

Ce chef d’oeuvre de la littérature, écrit par le grand J. R. R. Tolkien au milieu des années 1950, est un magnifique pavé d’une telle consistance qu’il paraissait impossible d’en faire une adaptation fidèle. Et pourtant, jamais un cinéaste n’aura autant respecté les détails et l’ambiance d’un livre. Le projet a nécessité un budget de 300 millions de dollars et les trois films totalisent près de 11 heures de séance qui passent à une vitesse folle et de façon très captivante. Le pari est amplement gagné pour le réalisateur qui rêvait de porter sa vision du livre à l’écran depuis longtemps. Le projet a également le mérite d’être la toute première fois que trois films sont tournés de manière simultanée.

I – La Communauté de l’Anneau

Affiche

Ce premier film sorti en décembre 2001 fut un succès immédiat. Mais la beauté du film et sa quasi-perfection ne se sont pas faites sans mal. Le tournage de la trilogie, qui a nécessité plus de sept ans de travail, a été épuisant et certains acteurs ont même dû apprendre à parler l’elfique, une langue belle et pure, totalement inventée par Tolkien. Il est arrivé aux comédiens de tourner jusqu’à 16 heures par jour, mais ils ne semblent en garder que de bons souvenirs, qualifiant de “familiale et unique” l’ambiance et l’expérience de ce tournage. On peut voir quelques chiffres à propos du film (notamment en ce qui concerne le matériel utilisé) sur Allociné, à cette page. C’est très impressionnant.

Mais parlons du film en lui-même. Quand Peter Jackson fait quelque chose, on voit qu’il s’y met à fond ! Nonobstant quelques omissions par rapport au livre, qui sont minimes, le travail fourni est absolument énorme, presque inimaginable. D’une durée de 2h45 en version courte (ajoutez une demie-heure pour la version longue, oui rien que ça !), la Communauté de l’Anneau est à mon goût l’un des meilleurs films de toute l’histoire du cinéma, car il mêle le fantastique, l’action, l’aventure, l’humour, les paysages magnifiques de la Nouvelle-Zélande, un scénario simple (mais seulement à première vue) et des musiques éblouissantes.

Un Nazgul

L’histoire est simple. Sauron, le Seigneur des Ténèbres, a besoin d’un objet pour régner sur le monde et retrouver sa force d’antan : l’Anneau Unique qu’il a lui-même forgé. Il ne doit absolument pas être retrouvé par son maître et c’est Frodon Saquet, un timide hobbit, qui en hérite par un pur hasard. Il est alors chargé d’une mission périlleuse : détruire l’anneau en le jetant dans la lave de la Montagne du Destin, l’endroit où il a été créé. Il sera aidé par une Compagnie de 8 personnes de toutes origines, qui formeront ensemble la Communauté de l’Anneau. Ce premier volet situe l’histoire, nous fait découvrir les personnages principaux et retrace le début de l’aventure de la communauté, jusqu’à sa dislocation.

Sous ses allures un peu banales, le scénario est truffé de plein de détails qui en font un voyage exceptionnel et surtout captivant. L’univers du Seigneur des Anneaux est complexe, très grand. C’est un monde à part, plein de surprises et de situations inattendues qui ne peuvent pas nous laisser indifférent. Dans la Communauté de l’Anneau, même si l’histoire est centrée principalement sur les héros Frodon, Gandalf et le dénommé Grand-Pas, on nous présente un nombre affolant de personnages tous plus intéressants et importants les uns que les autres. Les personnages sont de toutes races, profonds et attachants.

Grand-Pas, joué par Viggo Mortensen

Le film nous fait ressentir toutes sortes d’émotions. Des nombreux passages font rire, notamment grace aux hobbits Merry et Pippin. L’humour est assez peu au rendez-vous mais suffisamment pour qu’on ne s’ennuie pas. Ensuite, le film comprend beaucoup de suspense dans les passages mettant en scène les cavaliers noirs, dits Nazguls, qui constituent des moments non seulement haletants et terrifiants, mais également d’une beauté absolue. Cette beauté qui nous fait frissonner est dûe aux couleurs sublimes du film, aux ralentis judicieux qui offrent un rendu magnifique, mais surtout grâce à la bande sonore, composée de musiques magistralement orchestrées. On ressent également de la magie et de la compassion pour les personnages lors de leur arrivée à la Lothlorien, une sublime demeure d’Elfes au milieu de la forêt. Enfin, on éprouvera une tristesse immense lors d’une certaine scène dans les mines de la Moria, un des repaires des Nains, encore dûe à une musique incroyable et à une justesse dans le jeu des interprètes.

Les acteurs, quant à eux, sont d’un talent époustouflant, sans exception. A commencer par Viggo Mortensen, qui joue le mystérieux et courageux Grand-Pas. Sir Ian McKellen est parfait dans le rôle de Gandalf, tandis qu’Elijah Wood nous offre sa meilleure performance d’acteur dans la peau d’un Frodon naïf mais attachant. Sean Astin, Dominic Monaghan, Ian Holm et Billy Boyd nous font rire dans leurs rôles de hobbits têtus et boute-en-train. Même Orlando Bloom se surpasse et joue de façon crédible, accompagné de John Rhys-Davies et Sean Bean. Christopher Lee est terrifiant dans la peau de Saroumane. On notera la présence de Hugo Weaving, l’agent Smith connu dans Matrix, et des deux magnifiques actrices Liv Tyler et Cate Blanchett, toutes deux éclatantes de beauté et de talent en elfes pures et sensibles.

Liv Tyler dans le rôle de l'elfe Arwen

Ensuite, on constate que les effets spéciaux spectaculaires sont parfaitement maîtrisés, les mouvements de caméra grandioses donnent de très belles scènes, qui nous laissent bouche bée. Il faut noter aussi un effort incroyable du côté des accessoires et des costumes, qui donnent au film une ambiance unique et très classe.

Pour finir, les musiques du film posent l’ambiance et sont extraordinaires. A commencer par May It Be (cliquez pour écouter sur Deezer), chantée par la talentueuse Enya, et qu’on entend à la fin du film lors du générique. L’ambiance imposée par cette mélodie est frissonnante quand on repense au film qu’on vient de voir. Le reste des musiques est composé par Howard Shore et ce sont des musiques majestueuses et poignantes. En voici un aperçu avec The Breaking of the Fellowship.

En écoute avec Deezer » The Breaking of the Fellowship

www.deezer.com/track/15250

Une musique calme et caractéristique du film qui ne manque pas de nous faire vibrer. On retiendra aussi les musiques comme A Knife in the Dark ou A Journey in the Dark, deux musiques très stressantes qui rythment le film. Je finirai par les trois plus belles musiques de l’album. Il y a tout d’abord Flight to the Ford, qui débute sur une mélodie triste et nostalgique, pleine de douceur. Ensuite, la musique dans laquelle on entend le thème de l’anneau, The Great River, qui est magnifique de 1:52 à la fin, frissonnante à souhaits. Pour finir, j’aborderai ce qui reste à mes yeux la meilleure musique de ce premier volet, à savoir un passage de The Bridge of Khazad-Dûm. La musique est abolument ahurissante de beauté et de tristesse de 4:37 à la fin. Cette voix sur fond de musique déprimante est touchante et retransmet parfaitement l’émotion qu’on a pu ressentir au moment du film où elle passe. Ajoutée au talent d’Elijah Wood et de Viggo Mortensen, elle peut même en faire pleurer certains.

Voilà tout pour ce premier opus du Seigneur des Anneaux, dont voici la bande-annonce officielle.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

II – Les Deux Tours

Affiche

Même si le niveau de ce deuxième volet est légèrement en deçà de ceux des deux autres, il n’en reste pas moins un des meilleurs films produits au cinéma. Les Deux Tours, sorti en décembre 2002, est la suite inévitable de la Communauté de l’Anneau, un peu plus sombre mais aussi plus grandiose. Après la disparition de deux de ses membres, la communauté se sépare en trois groupes. Frodon et Sam, maintenant investis de leur mission, à savoir se rendre sur le territoire de l’ennemi pour détruire l’Anneau Unique, remarquent qu’ils sont suivis par Gollum, une étrange créature corrompue par l’Anneau. Merry et Pippin se font capturer par des Uruk-hai, des êtres malfaisants. Ils vont réussir à s’échapper pour trouver un allié inattendu : l’Ent Sylvebarbe. Quant à Aragorn, Gimli et Legolas, ils partent à leur recherche et font route vers le Rohan. On découvre des lieux inouis, majestueux, comme Minas Tirith ou le Gouffre de Helm, qui ont été portés à l’écran de façon incroyable.

Minas Tirith

Le film dure 3 heures (3h30 en version longue) et démarre sur une musique frissonnante qui nous replonge immédiatemment dans l’univers de la trilogie, à savoir Foundations of Stone, qui constitue ce que j’appelle la musique de l’Anneau. Le début de ce deuxième volet nous offre une scène sublime, qui est également surprenante. Ce film diffère du précédent car il nous montre de nombreuses batailles. Elles sont très présentes mais belles et brillamment filmées. Elles sont même parfois sujettes à des moments d’humour bienvenus entre l’elfe Legolas et le nain Gimli. Le seul inconvénient que je reprocherais au film est de ne pas mettre assez en valeur les personnages de Frodon, Sam et Gollum, qui sont les trois personnages les plus cruciaux de cette trilogie. Surtout qu’Andy Serkis est incroyable dans le rôle de Sméagol, vile créature qui n’en demeure pas moins touchante.

On assiste dans le film à la découverte de nouveaux personnages, plus secondaires mais tout aussi fascinants. On en apprend plus sur le territoire du Rohan, avec Eowyn, Théoden, Grima Langue-de-Serpent, ainsi que sur Faramir, le frère de Boromir.

Frodon et Sam traversent la Terre du Milieu

Les Deux Tours est également plus impressionnant en termes d’effets spéciaux. On peut le dire : on en prend plein la vue. A commencer par la bataille des Ents, la révolte de cette forêt et de ces personnages étranges contre une menace imminente. De plus, ces scènes sont tournées de telle façon qu’on en reste ébobi. Les mouvements de caméra sont maîtrisés, parfaits et entraînants. Mais ces effets spéciaux sont mineurs comparés au travail collossal qui a été fourni pour faire le film. Des centaines de figurants ont été nécessaires pour certains passages, pour créer des scènes de combat incroyablement réalistes. Aussi, des kilomètres de moquette ont été utilisés pour préserver les lieux de tournage et éviter de détériorer la nature.

Ensuite, le scénario est intéressant, l’histoire évolue rapidement et de manière passionnante. On ne s’ennuie pas et l’émotion est toujours au rendez-vous. On sort de ce film avec un sentiment de nostalgie et de tristesse étrange.

Viggo Mortensen dans le rôle d'Aragorn

Les acteurs sont quant à eux égaux à eux-mêmes. Aussi convaincants et touchants que dans la Communauté de l’Anneau, ils crèvent l’écran dans certaines scènes, notamment entre Elijah Wood (Frodon) et Sean Astin (Sam), où on sent une réelle alchimie. Miranda Otto est magnifique dans le rôle d’Eowyn, ainsi que Karl Urban (Eomer) et Brad Dourif (Grima). Mais le palme est reservée à Andy Serkis, qui a fait un boulot considérable dans le rôle de Gollum. Car derrière cette petite créature ne se cachent pas que des images de synthèse. Si le personnage est si réaliste et réussi, c’est principalement grâce à l’acteur, qu’on ne voit jamais à l’écran mais qui a produit un travail impressionnant. Il a d’abord tourné avec les autres acteurs dans un costume bleu/vert qui fut effacé au montage, puis dans un studio, couvert de capteurs de mouvement pour donner du réalisme aux déplacements et à la gestuelle. Ensuite, il a énormément travaillé pour numériser les expressions faciales de Gollum. Enfin, il est passé derrière le micro pour donner à son personnage la voix caractéristique qu’on lui connaît, mystérieuse et menaçante.

Le sournois Gollum

Pour finir, les musiques de cet opus sont à la hauteur des précédentes. Magnifiques, douces, stressantes ou tristes, ce sont grâce à elles qu’on apprécie le film et elles nous procurent de nombreuses sensations. Elles sont elles aussi signées Howard Shore pour notre plus grand bonheur. La plus belle mélodie de cet album reste à mon goût Evenstar.

En écoute avec Deezer » Evenstar

www.deezer.com/track/4147

D’une beauté renversante, cette musique retrace parfaitement l’esprit et l’ambiance du film. Vient ensuite une piste également incroyable et sublime, à savoir Gollum’s song.

On retient enfin deux musiques incroyables. Premièrement, Isengard Unleashed, qui est frissonnante à souhaits à partir de 2:20 et qui rappelle la sublime marche des Ents, une des scènes les plus magnifiques et vibrantes du film. A écouter et ré-écouter. Pour finir, voici une puissante et merveilleuse musique, Samwise the Brave. Elle nous transmet une émotion très intense à partir de 38 secondes, et je ne vois pas comment on peut y être insensible. Mais tout le score de ce film est à écouter, car il est subliment orchestré.

Voici la bande-annonce de ce deuxième opus du Seigneur des Anneaux.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

III – Le Retour du Roi

Affiche

Pour finir, voici le dernier volet de cette saga désormais culte, le Retour du Roi. Sorti en décembre 2003, ce film est incontestablement le meilleur des trois. Il vous fera rire, sursauter, pleurer et frissonner. L’histoire est toujours de plus en plus sombre, où tout repose sur les épaules de Frodon et Sam, qui s’approchent de la Montagne du Destin. Gandalf, Aragorn et leurs alliés vont tout faire pour livrer bataille contre les innombrables armées de l’ennemi afin de détourner l’attention de Sauron, laissant une minime chance à Frodon d’accomplir sa quête.

Voici le film le plus spectaculaire de tous. Il est saisissant, impressionnant, grandiose et mythique. Sa durée hallucinante (3h20 au cinéma, et 4 heures en version longue), était tout simplement nécessaire pour nous montrer la dernière partie de cette incroyable épopée. Apparaît alors le personnage de Dénéthor, l’Intendant du Gondor, joué par John Noble. Un personnage exécrable, qui refuse de se battre et d’aider le Rohan contre l’ennemi, s’avouant vaincu par les forces sombres. Il ne se rendra compte de l’amour qu’il porte pour son fils Faramir qu’à la toute fin.

Frodon, rongé par l'Anneau de pouvoir

Ce film contient un nombre impressionnant de scènes émouvantes, notamment grâce à Viggo Mortensen (Aragorn), en meneur des troupes à la fin du film, où il court au ralenti seul face à l’armée gigantesque du Mordor. Cette scène est l’une des scènes les plus belles qu’il m’ait été donné de voir. Après 8 heures de film, ce passage est d’une intensité et d’une émotion très riches. Enfin, toutes les scènes avec Frodon et Sam, principalement pendant toute la dernière demie-heure du film, sont exceptionnelles et j’ai du mal à imaginer comment ces séquences auraient pu être mieux réalisées. L’ascension de la Montagne du Destin est tout simplement un moment d’anthologie.

Les effets spéciaux sont toujours au rendez-vous, on retiendra l’armée des morts-vivants ainsi que la bataille où les Spectres Ailés et les aigles se joignent à la guerre.

Le dénouement est sublime, simple, triste mais inévitable. Lorsqu’on ressort de ce film, on y repense pendant quelques jours, encore immergés dans l’ambiance et l’émotion qu’il nous a procuré. Imaginer tout ce qu’ont vécu les personnages et la façon dont ils doivent se sentir à la fin de cette épopée donne un effet incroyablement nostalgique.

Viggo Mortensen dans le rôle d'Aragorn

Pour finir, les musiques surpassent celles des deux premiers épisodes. A commencer par The Return of the King. Cette incroyable piste de 10 minutes est un pur bonheur.

En écoute avec Deezer » The Return of the King

www.deezer.com/track/19441

Elle apparaît à la toute fin du film, et retrace toutes les musiques cultes de la trilogie, la musique des hobbits, du Gondor, mais surtout le chant magnifique du roi qu’on peut entendre à 3:35 et qui est d’une beauté saisissante. Et Eärello Endorenna utúlien. Sinomë maruvan ar Hildinyar tenn’Ambar-metta. Ensuite, la musique qui est la plus magnifique à mon goût est Twilight and Shadow. Ce que ressentent les admirateurs de la trilogie en entendant cette musique n’est tout simplement pas qualifiable. Il en va de même pour Grey Havens et The End of All Things (notamment à 5:05).

Pour finir, voici la dernière bande-annonce de cette trilogie désormais culte.

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A noter qu’une adaptation de Bilbon le Hobbit, un autre roman de J. R. R. Tolkien basé sur le même univers, est prévue pour 2012.