A cette époque, l’Empire romain s’étend jusqu’à l’actuelle Angleterre. Marcus Aquila, un jeune centurion, est bien décidé à restaurer l’honneur de son père, disparu mystérieusement vingt ans plus tôt avec la Neuvième Légion qu’il commandait dans le nord de l’île. Les 5000 hommes et un Aigle d’or, l’emblème le plus sacré de Rome ne sont pas retrouvés. Dès lors, l’empereur Hadrien ordonne la fabrication d’un mur pour séparer le nord, aux mains de tribus insoumises, du reste du territoire. Apprenant par une rumeur que l’Aigle d’or aurait été vu dans un temple tribal des terres du nord, Marcus décide de s’y rendre avec Esca, son esclave. Mais au-delà du mur d’Hadrien, dans les contrées inconnues et sauvages, ils vont devoir affronter les plus redoutables dangers pour avoir une chance de trouver la vérité…

Kevin Macdonald présente son film d’une manière étrange pour s’imprégner d’une époque romaine. Les décors manquent cruellement de véracité lors des batailles ou du retour héroïque du jeune centurion. De même, les bâtiments ne sont que des éléments survolés, une reproduction en image de synthèse d’une Cité Romaine aurait appuyé la trame historique et apporté une vraie dimension au récit. Le réalisateur s’est orienté sur l’univers d’un péplum sans réelle conviction, il illustre une mise en scène beaucoup trop modérée, timorée lors des scènes de batailles entre la tribu d’ennemis coiffée à l’iroquoise et des Romains enlisés dans les terres du nord.

En suivant Marcus et Esca, les deux protagonistes sous les traits de Channing Tatum et Jamie Bell, arpenter les territoires inconnus, on ne peut que percevoir qu’une longue et interminable quête pour retrouver un malheureux « Aigle d’or ». Puis, lorsque vient l’honnêteté et la loyauté de l’esclave Esca face sa tribu rebelle et à son maître Marcus, cette recherche semble beaucoup moins crédible, cohérente. Pourquoi un tel retournement de conviction ? Le réalisateur américain ne répond pas à la question mais il met en scène deux personnages léthargiques à la recherche d’un symbole égaré dans un décor qui grouille d’ennemis très gentils.

Bien que le petit budget du film se ressent sur la qualité de l’intrigue et la pauvreté du décor, le péplum de Kevin Macdonald n’est pas aussi percutant qu’un vrai péplum de genre où l’action est violente avec une vraie motivation qui rend le spectacle inoubliable  (exemple : William Wallace se bat pour l’indépendance de l’Écosse dans Braveheart).

Ce film sorti au cinéma le 4 mai 2011, a fait l’objet d’une sortie DVD et Blu-Ray le 8 septembre dernier, est un péplum classique n’ayant rien pour nous tenir en haleine. Il raconte la quête d’un jeune centurion et dépeint une époque romaine sans la qualité d’un film de genre (300, Alexandre, Gladiateur, Le Choc des Titans…) : l’absence de scènes d’actions impressionnantes et de la grandeur des décors historiques.

D’autres liens complémentaires et partenaires de Cinetrafic :

• La page du film : http://www.cinetrafic.fr/film/32163/l-aigle-de-la-neuvieme-legion
• Les Guerres de l’Empire romain : http://www.cinetrafic.fr/liste-film/2255/1/les-guerres-de-l-empire-romain

Le distributeur est Metropolitan Filmexport.

© Metropolitan FilmExport

Dans l’Oregon, le quartier d’Astoria, est pris d’assaut par des promoteurs qui veulent déloger les habitants. Un groupe d’enfants se surnommant les Goonies, sont persuadés d’y vivre leur dernier instant ensemble. Par le plus grand des hasards, ils trouvent une vieille carte au trésor dans le grenier de leur maison. Voyant une belle opportunité d’assurer leur avenir, ils décident de partir à la recherche du butin et s’engagent dans une aventure périlleuse la plus étrange, folle et amusante de leur vie, explorant les cavernes souterraines édifiées au XVIIe siècles par un légendaire pirate, Willy-le-Borgne. Trahis par ces agents immobiliers, comment peuvent-ils arriver à trouver ledit trésor dans une ville qui fourmille des plus dangereux criminels de l’Ouest ?

Auteur de la célèbre trilogie L’Arme fatale, Richard Donner excelle avec ce film (sorti en 1985) qui fut l’un de ses plus grands succès de sa carrière. Il reflète les traits d’une bande de garçons drôles, espiègles, inventifs dans une aventure extraordinaire, pleine de défis. Le metteur en scène américain les met en avant pour mieux les entrainer dans une chasse au trésor la plus insolite. Qui ne se souvient pas d’avoir vécu ce rêve de gosse ? Richard Donner nous plonge dans une aventure incroyable qui n’est pas sans rappeler notre enfance (les souvenirs reviennent) et les aventures de Steven Spielberg, Indiana Jones (logique, c’est lui le producteur des deux films). Il nous transporte dans l’imaginaire débridé et sans limite des enfants, contrastant avec la réalité des adultes.

Parmi cette aventure extraordinaire se trouve les « Goonies » qui ressuscitent en grande pompe l’émerveillement de l’enfance, de ses petites affres et ses grandes joies. On peut citer Mickey (Sean Astin), le chef de file courageux qui possède toujours son âme d’enfant, Choco (Jeff Cohen), l’apeuré qui réclame à manger, Bagoo, le serial-lover et le pince-sans-rire, Data, le petit génie qui fabrique des objets insolites plus ou moins efficaces et Brad, le sportif qui modère les ardeurs du premier garçon. En les observant explorer un monde underground, on ne peut que voir la « cool attitude » de ces jeunes adolescents qui ne cessent de croire à la richesse de leur aventure trépidante. Ils évoquent le sexe, les drogues, les sentiments avec une justesse et une innocence enfantine, donnant au film une saveur exquise !

Après plus de vingt ans, le film est remis au goût du jour et une ressortie est programmée au cinéma le 27 juillet prochain. Les Goonies est un film extrêmement cocasse, doté de références cultes qui ont bercé la génération des années 80. Il est un excellent moyen pour montrer comment un adulte peut se souvenir de son âme d’enfant et rigoler à des répliques énormes : « Oh super une poursuite de flics !! Avec des vraies balles!! », « On drague en 4×4, on snif un peu de coke, on descend quelques bières ?  » et  « Merde ! Ah ! Tu pues le gymnase ! ». On apprécie aussi une des remarques de Bagoo : « On dirait mon grand père en train de pisser Mikey, ça coule ». Le constat, le film est peut-être classique, vieux mais sincèrement divertissant et cultissime, emmené par d’inoubliables Goonies et son « Bouffi-Bouffon ».

Un film à partager à l’état brut même après avoir passé l’âge de maturité !

La princesse, c’est Mélanie Thierry, beauté picturale aux allures vermeeriennes. Majestueuse dans sa robe bustier couleur violine signée du maître (Yves Saint-Laurent, forcément!), la comédienne est entourée de partenaires aussi chic que choc : Gaspard Ulliel (l’impétueux Comte de Guise), Grégoire Leprince-Ringuet (le Prince de Montpensier), Raphaël Personnaz (l’insaisissable Duc d’Anjou) et Lambert Wilson (le mystérieux Comte de Chabane).

A la fin de la projection, la presse semble unanime, les spectateurs, emballés. Le film repartira pourtant bredouille du festival. Qu’importe : ma curiosité a été attisée… j’attendrai donc impatiemment sa sortie en salle.

4 novembre 2010, dans une salle de cinéma parisienne. Je découvre enfin l’histoire de cette princesse de Montpensier, jeune fille insouciante promise au mauvais prétendant. En toile de fond, la guerre de religion.

Mais rendons hommage un instant aux attachés de presse qui ont travaillé ardemment à la promotion du film et citons le synopsis  rédigé avec soin : « 1562, la France est sous le règne de Charles IX, les guerres de religion font rage…

Depuis son plus jeune âge, Marie de Mézières aime Henri, Duc de Guise. Elle est contrainte par son père d’épouser le Prince de Montpensier. Son mari, appelé par Charles IX à rejoindre les princes dans leur guerre contre les protestants, la laisse en compagnie de son précepteur, le Comte de Chabannes, loin du monde, au château de Champigny.

Elle tente en vain d’y oublier sa passion pour Guise, mais devient malgré elle l’enjeu de passions rivales et violentes auxquelles vient aussi se mêler le Duc d’Anjou, futur Henri III ».

A côté, Carmen la bohémienne se ferait presque passer pour une sainte !

Et pourtant, comment ne pas être subjugué par la beauté de cette princesse, comment ne pas être touché par ce cruel dilemme (le statut social ou la passion?), comment ne pas vénérer Madame de La Fayette pour avoir écrit un tel chef d’oeuvre et Bertand Tavernier pour lui rendre un hommage teinté de grâce et d’intelligence?

Car ce film d’époque romanesque aux accent résolument modernes bénéficie non seulement d’une mise en scène tout en virtuosité et de dialogues ô combien soignés, mais aussi d’une distribution remarquable. Saluons - une fois encore – la lumineuse Mélanie Thierry qui porte le film sur ses épaules délicates, aidée notamment par un Lambert Wilson tout en retenu et d’un Raphaël Personnaz simplement explosif.

Alors, soit, 2h20 pour une histoire d’amour et de guerre (ou de guerre et d’amour), ça peut paraître un peu long. Mais fichtre, face à tant de talents, on ne peut que s’incliner !

Observant un obstacle, Kad n'ose plus avancer (ça craint pour quelqu'un qui connait bien la brousse...)

Vu avec le service de la VoD d’Orange hier soir, j’ai eu beaucoup de mal a adhérer à l’humour décalé des comédiens, surtout celui de Kad Merad qui lance des jeux de mots ridicules dans la première partie du film. L’histoire a du mal à prendre son rythme de part un humour décevant de la part de l’acteur, qui nous a habitué à (bien) mieux (souvenez-vous sa bonne humeur communicative dans les Ch’tis). Les autres acteurs manquent cruellement de crédibilité, la mise en scène et les décors sont décevants.

Passons dans la deuxième partie du film, Olivier Baroux améliore sa réalisation en nous proposant une mise en scène avec un Kad Merad qui assume mieux son rôle d’organisateur de safari, son humour est plus hilarant. On apprécie ainsi la scène où il sauve sa peau face à Omar qui fait putsch avec son accent canadien..

Assez réussie, il arrive à éviter de peu les missiles jusqu’aux crocodiles dans le lac. Aussi, le personnage de Lionel Abelanski est absurde où lorsqu’il raconte qu’il a vu un gorille, ou encore une girafe lors d’une veillée (il aurait du mieux garder sa tente). Personne ne croit ce gringalet qui fait penser au personnage de Tanguy (Sabine Azéma et André Dussolier) un peu niaise.

Lionel Abelanski fait dans son froc... devant une telle vision (il n'a pas rêvé?)

Yannick Noa n’est pas en reste dans son rôle de guerrier déjanté.

Yannick Noa (nous) fait partager son rire communicatif...

Cette nouvelle réalisation d’Olivier Baroux est loin d’être la meilleure comédie familiale française malgré son démarrage qui manque de tact dans les dialogues et l’humour des comédiens. Elle arrive à se rattrapper en proposant un final assez bien étudié pour Kad Merad et ses 6 touristes via une sacrée ruse pour tromper l’ennemi. L’effet est réussi, il a gagné son pari, libéré son ami et repart pour un autre safari… chez les Péruviens… Kad manifeste sa bonne humeur, ça fait drôle…

La bande-annonce se trouve dans ce post.

Harrison Ford, Shia LaBeouf et Karen Allen

Indiana Jones débute dans un désert du sud-ouest des Etats-Unis. Nous sommes en 1957, en pleine Guerre Froide. Indy et son copain Mac viennent tout juste d’échapper à une bande d’agents soviétiques à la recherche d’une mystérieuse relique surgie du fond des temps.

De retour au Marshall College, le Professeur Jones apprend une très mauvaise nouvelle : ses récentes activités l’ont rendu suspect aux yeux du gouvernement américain. Le doyen Stanforth, qui est aussi un proche ami, se voit contraint de le licencier. A la sortie de la ville, Indiana fait la connaissance d’un jeune motard rebelle, Mutt, qui lui fait une proposition inattendue. En échange de son aide, il le mettra sur la piste du Crâne de Cristal d’Akator, relique mystérieuse qui suscite depuis des siècles autant de fascination que de craintes. Ce serait à coup sûr la plus belle trouvaille de l’histoire de l’archéologie.

Indy et Mutt font route vers le Pérou, terre de mystères et de superstitions, où tant d’explorateurs ont trouvé la mort ou sombré dans la folie, à la recherche d’hypothétiques et insaisissables trésors. Mais ils réalisent très vite qu’ils ne sont pas seuls dans leur quête : les agents soviétiques sont eux aussi à la recherche du Crâne de Cristal, car il est dit que celui qui possède le Crâne et en déchiffre les énigmes s’assure du même coup le contrôle absolu de l’univers. Le chef de cette bande est la cruelle et somptueuse Irina Spalko.

Indy n’aura jamais d’ennemie plus implacable… Indy et Mutt réuissiront-ils à semer leurs poursuivants, à déjouer les pièges de leurs faux amis et surtout à éviter que le Crâne de Cristal ne tombe entre les mains avides d’Irina et ses sinistres sbires ?

(Source : Allociné)

Parvenant à restituer l’esprit de la saga, Steven Spielberg utilise des décors esthétiques des années 50 (un peu grossier) tout en livrant quelques clins d’oeil aux précédents opus, notamment le personnage de Sean Connery. Harrison Ford grisonnant est de retour, en pleine Guerre Froide, pour retrouver le crâne de cristal aux pouvoirs mystérieux… Une quête qui l’emmènera dans des terres inconnues et mystérieuses dans lesquelles il croisera la route d’ennemis soviétiques plus que redoutables.

Harrison Ford, Cate Blanchett et une horde de soviétiques...

Tout fonctionne bien, le personnage d’Indiana Jones est assez crédible, malgré qu’il ait pris un sacré coup de vieux. Tandis que le duo qu’il forme avec Shia LeBeouf fonctionne (encore) mieux et donne un peu plus de jeunesse et de saveur à cette aventure bourrée d’exotisme et d’humour…

Harrison Ford et Shia LaBeouf

Et, dont quelques défauts se laissent sentir dans le scénario et des effets spéciaux très moyens. Pourquoi cette longue recherche du crâne de cristal nous entraine vers une fin totalement bâclée et inachevée ? Dommage, car le film était plutôt sympathique et a préféré virer vers une fin de science-fiction grotesque. On aurait presque envie de sortir le fouet…

Cliquer ici pour voir la vidéo.

PS : Le DVD est sorti le 21 novembre 2008.

Depuis qu’il a découvert qu’il pouvait se téléporter n’importe où sur terre, le monde n’a plus de limite pour David Rice. Grâce à son pouvoir, il peut déjeuner en Egypte sur la tête du Sphinx, passer la journée à faire du surf en Australie, dîner à Paris et prendre le dessert au Japon. Les murs ne l’arrêtent plus et aucun coffre de banque ne lui résiste. Libre comme personne, David vit dans l’insouciance la plus totale, jusqu’à ce que…

(Source : Allociné)

Hayden Christensen (David Rice)

La structure du film n’est pas suffisamment aboutie (voire sous-exploitée) et n’apporte rien à l’univers qu’elle est censée incarner. Les effets spéciaux sont bien réalisés. Mais l’histoire ne suit pas avec des dialogues (très) moyens et se déroule (trop) lentement au point d’oublier l’essentiel du film : les Jumpers. Elle aurait du nous apporter des éléments substantiels sur l’origine de ces Jumpers qui restent inconnus, et dont le mystère ne sera jamais levé à la fin du film…

Dommage et heureusement que Hayden Christensen (David Rice) est convaincant dans son rôle…

Cliquer ici pour voir la vidéo.

PS : Le DVD est sorti le 10 septembre 2008.

Attention, cet article révèle en détails certains passages et certaines idées des films, ainsi que leur dénouement. Il a pour but d’essayer de faire apprécier la trilogie aux gens qui ne sont pas convaincus de sa qualité et s’adresse donc uniquement aux internautes ayant vu les films.

Neo contre l'agent Smith

Keanu Reeves, qui interprète Thomas Anderson dit Neo (l’anagramme de One, l’Elu), résume parfaitement la trilogie : “Le premier film traite de la naissance, le second de la vie, et le troisième de la mort”. Les réalisateurs ont mis plus de cinq ans à peaufiner le scénario de Matrix afin de le rendre compréhensible et accessible au public. Cette trilogie marque une révolution dans l’ère du cinéma par ses effets novateurs, son scénario en béton et son montage époustouflant. Les trois films alternent des scènes de combat époustouflantes avec des dialogues terriblement intelligents et scénaristiquement incroyables.

I – Matrix

Affiche du film

Ce premier film, sorti en juin 1999 (ça ferait 10 dans deux semaines), est une réussite incroyable et a eu un succès immédiat auprès du grand public. En plus d’un score mythique au box-office, ce film a marqué les esprits pendant longtemps. Même si le tournage n’a duré que 25 semaines, il ne fut pas de tout repos. Les quatre acteurs principaux du film ont subi pendant six mois un entraînement intensif d’arts martiaux afin de pouvoir tourner certaines scènes. Keanu Reeves, qui s’est alors blessé au cou, a même dû s’exercer avec une minerve ! De même, Laurence Fishburne, allergique à la poussière, a vécu un calvaire lors d’une scène de combat avec Hugo Weaving. Ce dernier quant à lui s’en est sorti avec deux côtes cassées et un poignet presque fêlé.

Le scénario de Matrix est ingénieux et complexe. Thomas Anderson, programmeur dans un service administrateur, est également un grand pirate informatique connu sous le nom de Neo. Il est hanté par ses rêves, qui le forcent à se poser une question qu’il ne comprend pas : “Qu’est ce que la matrice ?”. Mais voilà qu’un jour, Thomas a une réponse à sa question. Il rencontre un dénommé Morpheus qui lui explique que le monde dans lequel il vit n’existe pas, que c’est un monde virtuel appellé la Matrice, contrôlée par des machines. Persuadé que Neo est l’Elu dont parle sa prophétie, Morpheus entame avec lui sa lutte contre la Matrice et ses agents que rien ne semble pouvoir arrêter.

Tout d’abord, ce film est un monument au niveau de son scénario. Les images qu’il donne sont presque philosophiques. Même si l’idée est de base un peu simpliste (un “super-héros”, un élu sauveur de la Terre), le film ne parle pas que de ça, loin de là. Il est travaillé, captivant et l’histoire est profonde. Car le film exprime l’idée que les machines ont pris le pouvoir sur la Terre, et qu’elles nous cultivent. Capables de nous mettre au monde sans avoir besoin d’autres humains, elles créent des champs entiers d’humains et les contrôlent totalement. Pour acquérir ce contrôle, rien de plus simple : elles nous font croire que le monde dans lequel on vit est un monde irréprochable, une perfection illusoire qu’elles nous mettent devant les yeux. C’est ce monde idéal, créé de toutes pièces, qui est appellé Matrice. Le monde réel, quant à lui, est dévasté et une mince poignée de survivants tentent vainement de rétablir la liberté dont les hommes ne jouissent plus. Mais ça n’est pas si simple, car les humains n’ont aucune connaissance de ce fait, et surtout ils se complaisent dans ce monde imaginaire où ils se sentent bien et protégés, en sécurité.

Carrie-Anne Moss et Keanu Reeves

Maintenant que j’ai situé le contexte, je peux vous présenter les personnages. Tout d’abord, le plus important d’entre eux, à savoir l’Oracle. L’Oracle est une femme qui vit dans la Matrice, mais qui a connaissance de toute l’histoire. Elle a le don de voyance et révèle des choses essentielles aux personnages pour qu’ils puissent avancer. Ainsi, elle est à l’origine d’une prophétie selon laquelle seul l’Elu pourra rétablir l’ordre des choses et mener les humains à leur liberté. Et c’est Morpheus qui a la lourde tâche de trouver cet Elu. Morpheus fait partie des rares survivants qui sont toujours dans le monde réel et qui détiennent la vérité à propos de la guerre contre les machines. Ils peuvent à leur guise aller dans la Matrice, toujours sombrement vêtus avec des lunettes noires pour se protéger de la vive lumière du Soleil qu’ils ne connaissent plus. Ainsi, persuadé que la prophétie de l’Oracle va se réaliser, Morpheus s’impose en meneur de la rébellion. C’est alors qu’il trouve Neo, un pirate informatique, et qu’il pense avoir enfin découvert l’Elu.

Thomas Anderson, dit Neo, a au fond de lui une certitude étrange : celle qui le pousse à se demander “Qu’est-ce que la Matrice ?”. C’est alors qu’intervient Trinity, une des rebelles qui le mène à Morpheus. Neo finit par accepter, avec difficulté, que Morpheus dit vrai sur le mensonge de sa vie. C’est alors que l’histoire débute.

Mais alors, qu’est-ce donc que la Matrice ? Comme je l’ai dit, c’est un gigantesque programme qui sert de leurre. Elle obéit à des lois qui sont différentes des lois que nous connaissons. Seulement, les humains étant conditionnés à obéir à certaines lois, ils ne peuvent pas exploiter les incroyables pouvoirs que peut leur procurer la Matrice. En effet, la Matrice est un monde totalement virtuel, c’est un programme informatique qui peut donc être piraté ! Les personnes qui savent que cette dimension est virtuelle peuvent alors repousser les limites des lois qui les entourent, comme la loi de gravitation. Ainsi, ils sont capables (avec de l’entraînement) de faire des choses qui paraissent impossible, comme sauter d’immeubles en immeubles ou encore se battre de façon extraordinaire. Malheureusement, la douleur est également fictive mais l’esprit, corrompu par ce monde qui semble si réel, croit que tout est vrai. Ainsi, il faut posséder une très grande force mentale pour parvenir à faire de véritables petits exploits et pirater le système. C’est ainsi qu’à la fin du film, on apprend que Neo est bel et bien l’Elu, capable plus que quiconque de modifier le programme de la Matrice.

Les agents, dont l’agent Smith, sont des programmes créés par la Matrice afin éviter que des humains ne s’introduisent dans le monde réel. Ils sont là pour empêcher une rébellion de s’y former, mais n’ont cependant pas le pouvoir de sortir de la Matrice. Ils ont un contrôle parfait de la Matrice et parviennent à la transformer à leur guise, jusqu’à s’introduire dans le corps d’une autre personne.

La Matrice vue par l'Elu

Concernant ce premier volet, j’ajouterai que, en plus de l’incroyable scénario du film (la cuillère n’existe pas !), le travail esthétique est également éblouissant. Les effets spéciaux sont novateurs dans l’histoire du cinéma, époustouflants et très rythmés. Les scènes d’arts martiaux sont tout simplement des petits bijoux visuels, techniquement parfaits, tandis que d’autres scènes se démarquent par leurs ralentis ou effets de caméra impressionnants.

De plus, les acteurs sont tous merveilleux et talentueux dans leurs rôles et je ne sais pas si quelqu’un d’autre que Keanu Reeves aurait pu être à la hauteur de la performance d’acteur qu’il nous offre. Laurence Fishburne, Carrie-Anne Moss mais surtout Hugo Weaving, qui semble abonné aux trilogies à succès, sont magistraux et incroyables. Ils ont une présence folle dans leurs scènes et sont très charismatiques.

Je n’en dirai pas plus pour ce premier volet qui est loin d’être le plus intéressant. Voici la bande-annonce de ce premier film.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

II – Matrix Reloaded

L'affiche

Ce deuxième volet, Matrix Reloaded, est bien plus curieux et profond. La raison en est simple : elle s’adresse à des spectateurs qui ont envie de réfléchir et qui veulent essayer de comprendre ce que peut bien vouloir dire ce film. Et une fois qu’on cherche à le saisir, et qu’on voit les détails et les subtilités incroyables de ce film, on ne peut qu’en ressortir hébété de respect pour l’intelligence et la finesse des réalisateurs. Car non, cette suite n’est pas du tout commerciale comme moi-même je l’avais cru au début. J’ai vite compris mon erreur en revoyant ce film une deuxième fois et en cherchant à savoir ce qu’il signifiait. Et une fois que c’est fait, on se rend compte très rapidement que, loin d’être commerciale, cette suite était tout simplement nécessaire.

Dans ce volet, Neo prend de plus en plus conscience du pouvoir qu’il a. Son esprit se libère et il comprend de mieux en mieux ce qu’a voulu dire Morpheus dans le premier volet : Don’t think you are, know you are… On apprend que le groupe mené par Morpheus n’est pas le seul à constituer la rébellion et que des centaines de résistants se trouvent dans un endroit appellé Zion.

Commençons tout d’abord par expliquer le titre étrange de ce film. Reloaded signifie “rechargement”, en jargon informatique on pourrait même dire “reboot”, soit “redémarrage”. Pourquoi ce terme ? Tout réside dans le discours de l’Architecte à la fin du film.

Explication de la scène finale

L’Architecte est un personnage important puisque c’est lui qui est principalement à l’origine de la Matrice. Il en est le créateur, peut-être avec une autre personne (ce que l’on découvre dans le troisième volet). A la fin du film, Zion est sous le contrôle imminent des sentinelles, des machines qui ont pour but de détuire les rebelles. Alors qu’elles sont proches d’atteindre leur but, Neo parvient enfin à entrer, grâce au maître des clefs, dans une salle appellée la Source. Ce lieu, c’est l’endroit crucial, qui permet justement de revenir aux sources, de tout recommencer. Mais qu’est-ce que cela signifie ?

Lors de la conversation entre Neo et l’Architecte, ce dernier lui explique qu’il représente une anomalie dans la Matrice, et lui propose un choix. Soit il prend la porte de droite, ce qui entraine le Reload (c’est-à-dire la remise à zéro) de la Matrice, soit il prend celle de gauche, qui le fera revenir dans la Matrice pour tenter de sauver Zion et Trinity. Ces deux choix ont de fortes implications. Dans le premier cas, la Matrice est remise à zéro, tout est effacé et on revient au point de départ. Neo choisira alors 23 personnes, 7 hommes et 16 femmes, pour recomposer Zion. C’est-à-dire que TOUT reprend à partir de zéro, y comprit Morpheus et la recherche de l’Elu, Neo. Seuls l’Oracle, l’Architecte, le Mérovingien et probablement l’agent Smith ne sont pas remis à zéro et gardent ainsi tous les souvenirs de ce qui s’est produit. Dans le deuxième cas, Neo prend le risque d’assister à la destruction entière de Zion s’il ne parvient pas à les sauver.

A la fin du film, étrangement, Neo choisit de retourner dans la Matrice pour sauver celle qu’il aime : Trinity. Le film se finit alors sur le sauvetage de la belle, et on nous réserve la lutte contre les sentinelles pour le dernier volet.

L’élément très intéressant de ce film réside dans le fait qu’on apprend que ça n’est absolument pas la première fois que Neo arrive dans la salle de l’Architecte. A en croire le créateur de la Matrice, celle-ci a déjà été remise à zéro 5 fois, choix effectué par Neo et qui fut toujours le même : le Reload de la Matrice. Et Neo étant une anomalie, cette anomalie réapparaît à chaque redémarrage du programme. D’ailleurs, les écrans derrière Neo nous montrent toutes les réactions que Neo a eu durant les 5 précédentes fois et dont il n’a aucun souvenir.

Neo, à la Source

Vous pouvez revoir cette scène en anglais ici, qui est beaucoup plus compréhensible avec tous ces éléments en main.

Seulement cette fois, son choix n’est plus le même. Pourquoi ? Il y a de bonnes raisons de penser qu’à chaque fois que Neo recharge la Matrice, il conserve en lui une légère mémoire qui lui permet de changer certains événements d’une version à l’autre de la Matrice. Cette mémoire intervient par les rêves prémonitoires qu’il a (la mort de Trinity par exemple). Cette fois-ci, Neo décide de prendre le risque et de retourner en arrière pour sauver Zion.

Voilà pour cette scène qui nous en apprend beaucoup plus sur l’origine de la Matrice.

Cependant, une question nécessaire s’impose : le monde dit “réel” l’est-il vraiment ? Il y a de fortes chances que non. Premièrement, comment remettre à zéro un élément du monde réel (à savoir Zion) ? Si Zion est repeuplée et remise à zéro, c’est qu’elle fait partie d’un programme au même titre que les agents et la Matrice. Deuxièmement, on voit dans le troisième volet que l’agent Smith parvient à s’infiltrer dans le monde dit “réel”. Comment est-ce possible alors qu’il n’est qu’un programme et qu’il est incapable de sortir de la Matrice ? Enfin, le dernier indice qui me permet d’affirmer que le monde “réel” ne l’est pas, c’est la dernière action de Neo dans Matrix Reloaded. Neo, dans une ultime concentration, parvient à arrêter les sentinelles avec son esprit exactement de la même manière qu’il avait arrêté les balles à la fin du premier opus ! Or, ce genre de choses est totalement impossible, à moins que les humains dans le monde réel n’aient des super-pouvoirs, ce qui est totalement incohérent avec le reste du film.

Il n’est donc pas exclu que la Matrice soit un monde virtuel insérée elle-même dans un autre monde virtuel. Comment alors savoir où se trouve le réel ? Est-ce qu’il y a ainsi différents “mondes” qui s’emboîtent ? Libre à vous de penser ce que bon vous semble… C’est en ce point précis que Matrix est une trilogie intelligente, car chacun peut en faire son interprétation personnelle et elle fait réfléchir le spectateur comme jamais aucun film n’aura fait réfléchir.

Dernier point concernant ce film : l’agent Smith. L’agent Smith est un programme extérieur à la Matrice, qui lui a échappé, un programme qui est devenu totalement libre à la fin du premier volet. Son unique but est de renverser les machines afin de prendre le contrôle total de la Matrice et du monde “réel”. Mais ses plans sont contrariés par Neo. Il est évident que l’agent Smith garde sa mémoire à chaque Reload. En effet, pendant tout le film, l’agent Smith prend un malin plaisir à rejoindre Neo exactement où il se trouve, ce qui étonne d’ailleurs beaucoup l’Elu. On peut retenir une discussion très intéressante entre Smith et lui-même (un des ses sosies) à un moment du film : “That went as expected… It’s happening exactly as before” que l’on peut traduire par “ça s’est passé comme prévu, exactement comme précédemment”. L’explication est simple : si Smith retrouve Neo à tous les coups, c’est tout simplement parce qu’il SAIT où Neo va aller. Car l’Elu a déjà emprunté ces chemins par 5 fois dans le passé, l’histoire se répétant à chaque Reload (à quelques détails près). Il sait donc exactement ce que va faire Neo. Comme il sait que Neo va, comme les précédentes fois, remettre la Matrice à zéro, il va tout faire pour l’empêcher d’arriver à ses fins, pour avoir une chance de contrôler le monde réel à lui seul. C’est pourquoi pendant tout le film, il va essayer de se dupliquer dans Neo afin de le faire disparaitre.

Mais cette fois-ci, Neo décide de retourner dans la Matrice au lieu de la recharger, ce qui offre une opportunité à Smith de continuer son but et qui fera l’objet du dernier volet de la saga pour l’ultime affrontement entre Neo et Smith.

Voici pour finir la bande-annonce de ce film avec toujours des scènes incroyables, rythmées et époustouflantes.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

III – Matrix Revolutions

L'affiche

Ainsi donc, cette trilogie n’est pas si évidente à comprendre. Et le dernier volet indispensable est tout aussi incompréhensible si on ne se penche pas sur le sujet un minimum. Outre les scènes magnifiques de combats et les effets spéciaux, il existe dans ce film des explications et des paroles qui ne finiront jamais de faire parler les fans de la saga.

Voici donc le dernier volet de cette saga passionnante. Pour raccourcir l’article, je ne parlerai que de la fin. Neo est donc revenu dans la Matrice et a sauvé Trinity. Il lui reste à sauver Zion. Pendant tout le film, il ne va chercher qu’à faire une seule chose : se rendre dans la ville des machines pour rencontrer le Deus Ex Machina afin de conclure un pacte avec les machines.

C’est ainsi qu’il y parvient, à la toute fin, et qu’il se retrouve face au “chef” des machines, seul et aveugle. Son marché est facile à comprendre. Il explique aux machines qu’il sait très bien quelle est leur menace : l’agent Smith, qui risque de prendre le contrôle total du monde réel et des machines. Neo affirme être le seul à pouvoir battre l’agent Smith. Il propose donc d’être introduit dans la matrice pour pouvoir anéantir Smith. Il y a alors deux possibilités : soit Neo réussit, et dans ce cas, les machines promettent de laisser Zion tranquille, soit il échoue et alors les machines auront tout le loisir de tuer Neo dans le monde réel.

Sur ce pacte, les machines expédient Neo dans la Matrice afin de détruire l’agent Smith. Viennent alors des scènes d’anthologie dans ce film. Tout d’abord, la scène du combat entre l’agent Smith et Neo, sous le regard de milliers d’agents Smith dupliqués.

L'agent Smith

Le combat final sous un déluge de pluie

Puis, bien sûr, la fin magistrale. Même si certains en doutent peut-être et voient le dernier acte de Neo comme un acte de faiblesse, il est pourtant évident que Neo se sacrifie. A la fin, Neo se retrouve face à Smith et comprend parfaitement qu’il ne parviendra pas à le tuer, car il est devenu beaucoup trop puissant. Il comprend alors qu’en se laissant dupliquer et en perdant volontairement le combat, les machines considèreront que Neo a échoué dans sa mission. Elles décident donc de le tuer dans le monde réel.

Neo, aveugle face à la ville des machines

Cependant, lorsqu’elles le tuent dans le monde réel, il meurt également dans la Matrice ! Or, le Neo de la matrice s’est transformé en l’agent Smith qui explose de joie devant cette victoire tant attendue. Une joie qui ne durera pas longtemps puisqu’en toute logique, il est totalement détruit grâce au sacrifice extraordinaire de Neo.

La toute fin du film nous montre l’Oracle et l’Architecte entrain de discuter. On en déduit que comme Neo est enfin détruit, le Reload de la Matrice peut s’effectuer une nouvelle fois. On peut voir en l’Oracle et en l’Architecte les mère et père de la Matrice. Ils ont l’air assez impassibles quant aux événements qui viennent de se produire et qui ne semblent jamais s’être produits par le passé. Mais ils paraissent soulagés tout de même, apaisement traduit par la fameuse phrase “On l’a échappée belle, cette fois-ci“. Ceci signifie que lors de cette sixième version de la Matrice, l’agent Smith a bien failli prendre le contrôle total du monde et qu’il s’en est fallu de peu. Ce qui laisse présager un mauvais tournant pour la septième version…

Le personnage de l’Oracle, finalement, est assez mystérieux et on peut se demander quel est son rôle dans l’histoire. En effet, elle ne semble agir que pour inciter Neo à trouver la Source pour effectuer le Reload. Dans le deuxième volet, elle ne lui apporte pratiquement aucune réponse et ne cherche qu’une chose, à savoir donner les moyens à Neo de trouver le maitre des clefs avant que l’agent Smith ne l’en empêche. Quoiqu’il en soit, il semble que l’Oracle mente à Morpheus en ce qui concerne la prophétie qui n’existe absolument pas.

On en vient finalement à se demander si l’Oracle et l’Architecte ne sont pas deux personnes qui ont absolument tout créé, la Matrice, le monde “réel” et tout le reste pour lancer une simulation, comme un “jeu” qui tournerait en boucle pour en faire une expérience.

Voici la bande-annonce de ce dernier volet.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Pour finir, j’espère que cet article vous aura intéressé, peut-être informé sur cette trilogie. J’espère même avoir fait changer l’avis de plusieurs personnes concernant ces films extraordinaires, complexes et absolument pas commerciaux. Je pense tout simplement qu’il faut voir et revoir ces films, sans modération, pour les comprendre mieux à chaque fois. Personnellement, écrire cet article m’a fichtrement donné envie de les revoir.

Voilà tout, je serais vraiment heureux de pouvoir continuer le débat dans les commentaires. Je pense aussi que beaucoup de personnes ne sont absolument pas d’accord avec ces théories, et ils ont bien raison puisque ces explications sont personnelles et loin d’être immuables. Il me reste beaucoup à apprendre sur Matrix et j’attends donc vos réactions et vos avis.

Frodon Saquet

Ce chef d’oeuvre de la littérature, écrit par le grand J. R. R. Tolkien au milieu des années 1950, est un magnifique pavé d’une telle consistance qu’il paraissait impossible d’en faire une adaptation fidèle. Et pourtant, jamais un cinéaste n’aura autant respecté les détails et l’ambiance d’un livre. Le projet a nécessité un budget de 300 millions de dollars et les trois films totalisent près de 11 heures de séance qui passent à une vitesse folle et de façon très captivante. Le pari est amplement gagné pour le réalisateur qui rêvait de porter sa vision du livre à l’écran depuis longtemps. Le projet a également le mérite d’être la toute première fois que trois films sont tournés de manière simultanée.

I – La Communauté de l’Anneau

Affiche

Ce premier film sorti en décembre 2001 fut un succès immédiat. Mais la beauté du film et sa quasi-perfection ne se sont pas faites sans mal. Le tournage de la trilogie, qui a nécessité plus de sept ans de travail, a été épuisant et certains acteurs ont même dû apprendre à parler l’elfique, une langue belle et pure, totalement inventée par Tolkien. Il est arrivé aux comédiens de tourner jusqu’à 16 heures par jour, mais ils ne semblent en garder que de bons souvenirs, qualifiant de “familiale et unique” l’ambiance et l’expérience de ce tournage. On peut voir quelques chiffres à propos du film (notamment en ce qui concerne le matériel utilisé) sur Allociné, à cette page. C’est très impressionnant.

Mais parlons du film en lui-même. Quand Peter Jackson fait quelque chose, on voit qu’il s’y met à fond ! Nonobstant quelques omissions par rapport au livre, qui sont minimes, le travail fourni est absolument énorme, presque inimaginable. D’une durée de 2h45 en version courte (ajoutez une demie-heure pour la version longue, oui rien que ça !), la Communauté de l’Anneau est à mon goût l’un des meilleurs films de toute l’histoire du cinéma, car il mêle le fantastique, l’action, l’aventure, l’humour, les paysages magnifiques de la Nouvelle-Zélande, un scénario simple (mais seulement à première vue) et des musiques éblouissantes.

Un Nazgul

L’histoire est simple. Sauron, le Seigneur des Ténèbres, a besoin d’un objet pour régner sur le monde et retrouver sa force d’antan : l’Anneau Unique qu’il a lui-même forgé. Il ne doit absolument pas être retrouvé par son maître et c’est Frodon Saquet, un timide hobbit, qui en hérite par un pur hasard. Il est alors chargé d’une mission périlleuse : détruire l’anneau en le jetant dans la lave de la Montagne du Destin, l’endroit où il a été créé. Il sera aidé par une Compagnie de 8 personnes de toutes origines, qui formeront ensemble la Communauté de l’Anneau. Ce premier volet situe l’histoire, nous fait découvrir les personnages principaux et retrace le début de l’aventure de la communauté, jusqu’à sa dislocation.

Sous ses allures un peu banales, le scénario est truffé de plein de détails qui en font un voyage exceptionnel et surtout captivant. L’univers du Seigneur des Anneaux est complexe, très grand. C’est un monde à part, plein de surprises et de situations inattendues qui ne peuvent pas nous laisser indifférent. Dans la Communauté de l’Anneau, même si l’histoire est centrée principalement sur les héros Frodon, Gandalf et le dénommé Grand-Pas, on nous présente un nombre affolant de personnages tous plus intéressants et importants les uns que les autres. Les personnages sont de toutes races, profonds et attachants.

Grand-Pas, joué par Viggo Mortensen

Le film nous fait ressentir toutes sortes d’émotions. Des nombreux passages font rire, notamment grace aux hobbits Merry et Pippin. L’humour est assez peu au rendez-vous mais suffisamment pour qu’on ne s’ennuie pas. Ensuite, le film comprend beaucoup de suspense dans les passages mettant en scène les cavaliers noirs, dits Nazguls, qui constituent des moments non seulement haletants et terrifiants, mais également d’une beauté absolue. Cette beauté qui nous fait frissonner est dûe aux couleurs sublimes du film, aux ralentis judicieux qui offrent un rendu magnifique, mais surtout grâce à la bande sonore, composée de musiques magistralement orchestrées. On ressent également de la magie et de la compassion pour les personnages lors de leur arrivée à la Lothlorien, une sublime demeure d’Elfes au milieu de la forêt. Enfin, on éprouvera une tristesse immense lors d’une certaine scène dans les mines de la Moria, un des repaires des Nains, encore dûe à une musique incroyable et à une justesse dans le jeu des interprètes.

Les acteurs, quant à eux, sont d’un talent époustouflant, sans exception. A commencer par Viggo Mortensen, qui joue le mystérieux et courageux Grand-Pas. Sir Ian McKellen est parfait dans le rôle de Gandalf, tandis qu’Elijah Wood nous offre sa meilleure performance d’acteur dans la peau d’un Frodon naïf mais attachant. Sean Astin, Dominic Monaghan, Ian Holm et Billy Boyd nous font rire dans leurs rôles de hobbits têtus et boute-en-train. Même Orlando Bloom se surpasse et joue de façon crédible, accompagné de John Rhys-Davies et Sean Bean. Christopher Lee est terrifiant dans la peau de Saroumane. On notera la présence de Hugo Weaving, l’agent Smith connu dans Matrix, et des deux magnifiques actrices Liv Tyler et Cate Blanchett, toutes deux éclatantes de beauté et de talent en elfes pures et sensibles.

Liv Tyler dans le rôle de l'elfe Arwen

Ensuite, on constate que les effets spéciaux spectaculaires sont parfaitement maîtrisés, les mouvements de caméra grandioses donnent de très belles scènes, qui nous laissent bouche bée. Il faut noter aussi un effort incroyable du côté des accessoires et des costumes, qui donnent au film une ambiance unique et très classe.

Pour finir, les musiques du film posent l’ambiance et sont extraordinaires. A commencer par May It Be (cliquez pour écouter sur Deezer), chantée par la talentueuse Enya, et qu’on entend à la fin du film lors du générique. L’ambiance imposée par cette mélodie est frissonnante quand on repense au film qu’on vient de voir. Le reste des musiques est composé par Howard Shore et ce sont des musiques majestueuses et poignantes. En voici un aperçu avec The Breaking of the Fellowship.

En écoute avec Deezer » The Breaking of the Fellowship

www.deezer.com/track/15250

Une musique calme et caractéristique du film qui ne manque pas de nous faire vibrer. On retiendra aussi les musiques comme A Knife in the Dark ou A Journey in the Dark, deux musiques très stressantes qui rythment le film. Je finirai par les trois plus belles musiques de l’album. Il y a tout d’abord Flight to the Ford, qui débute sur une mélodie triste et nostalgique, pleine de douceur. Ensuite, la musique dans laquelle on entend le thème de l’anneau, The Great River, qui est magnifique de 1:52 à la fin, frissonnante à souhaits. Pour finir, j’aborderai ce qui reste à mes yeux la meilleure musique de ce premier volet, à savoir un passage de The Bridge of Khazad-Dûm. La musique est abolument ahurissante de beauté et de tristesse de 4:37 à la fin. Cette voix sur fond de musique déprimante est touchante et retransmet parfaitement l’émotion qu’on a pu ressentir au moment du film où elle passe. Ajoutée au talent d’Elijah Wood et de Viggo Mortensen, elle peut même en faire pleurer certains.

Voilà tout pour ce premier opus du Seigneur des Anneaux, dont voici la bande-annonce officielle.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

II – Les Deux Tours

Affiche

Même si le niveau de ce deuxième volet est légèrement en deçà de ceux des deux autres, il n’en reste pas moins un des meilleurs films produits au cinéma. Les Deux Tours, sorti en décembre 2002, est la suite inévitable de la Communauté de l’Anneau, un peu plus sombre mais aussi plus grandiose. Après la disparition de deux de ses membres, la communauté se sépare en trois groupes. Frodon et Sam, maintenant investis de leur mission, à savoir se rendre sur le territoire de l’ennemi pour détruire l’Anneau Unique, remarquent qu’ils sont suivis par Gollum, une étrange créature corrompue par l’Anneau. Merry et Pippin se font capturer par des Uruk-hai, des êtres malfaisants. Ils vont réussir à s’échapper pour trouver un allié inattendu : l’Ent Sylvebarbe. Quant à Aragorn, Gimli et Legolas, ils partent à leur recherche et font route vers le Rohan. On découvre des lieux inouis, majestueux, comme Minas Tirith ou le Gouffre de Helm, qui ont été portés à l’écran de façon incroyable.

Minas Tirith

Le film dure 3 heures (3h30 en version longue) et démarre sur une musique frissonnante qui nous replonge immédiatemment dans l’univers de la trilogie, à savoir Foundations of Stone, qui constitue ce que j’appelle la musique de l’Anneau. Le début de ce deuxième volet nous offre une scène sublime, qui est également surprenante. Ce film diffère du précédent car il nous montre de nombreuses batailles. Elles sont très présentes mais belles et brillamment filmées. Elles sont même parfois sujettes à des moments d’humour bienvenus entre l’elfe Legolas et le nain Gimli. Le seul inconvénient que je reprocherais au film est de ne pas mettre assez en valeur les personnages de Frodon, Sam et Gollum, qui sont les trois personnages les plus cruciaux de cette trilogie. Surtout qu’Andy Serkis est incroyable dans le rôle de Sméagol, vile créature qui n’en demeure pas moins touchante.

On assiste dans le film à la découverte de nouveaux personnages, plus secondaires mais tout aussi fascinants. On en apprend plus sur le territoire du Rohan, avec Eowyn, Théoden, Grima Langue-de-Serpent, ainsi que sur Faramir, le frère de Boromir.

Frodon et Sam traversent la Terre du Milieu

Les Deux Tours est également plus impressionnant en termes d’effets spéciaux. On peut le dire : on en prend plein la vue. A commencer par la bataille des Ents, la révolte de cette forêt et de ces personnages étranges contre une menace imminente. De plus, ces scènes sont tournées de telle façon qu’on en reste ébobi. Les mouvements de caméra sont maîtrisés, parfaits et entraînants. Mais ces effets spéciaux sont mineurs comparés au travail collossal qui a été fourni pour faire le film. Des centaines de figurants ont été nécessaires pour certains passages, pour créer des scènes de combat incroyablement réalistes. Aussi, des kilomètres de moquette ont été utilisés pour préserver les lieux de tournage et éviter de détériorer la nature.

Ensuite, le scénario est intéressant, l’histoire évolue rapidement et de manière passionnante. On ne s’ennuie pas et l’émotion est toujours au rendez-vous. On sort de ce film avec un sentiment de nostalgie et de tristesse étrange.

Viggo Mortensen dans le rôle d'Aragorn

Les acteurs sont quant à eux égaux à eux-mêmes. Aussi convaincants et touchants que dans la Communauté de l’Anneau, ils crèvent l’écran dans certaines scènes, notamment entre Elijah Wood (Frodon) et Sean Astin (Sam), où on sent une réelle alchimie. Miranda Otto est magnifique dans le rôle d’Eowyn, ainsi que Karl Urban (Eomer) et Brad Dourif (Grima). Mais le palme est reservée à Andy Serkis, qui a fait un boulot considérable dans le rôle de Gollum. Car derrière cette petite créature ne se cachent pas que des images de synthèse. Si le personnage est si réaliste et réussi, c’est principalement grâce à l’acteur, qu’on ne voit jamais à l’écran mais qui a produit un travail impressionnant. Il a d’abord tourné avec les autres acteurs dans un costume bleu/vert qui fut effacé au montage, puis dans un studio, couvert de capteurs de mouvement pour donner du réalisme aux déplacements et à la gestuelle. Ensuite, il a énormément travaillé pour numériser les expressions faciales de Gollum. Enfin, il est passé derrière le micro pour donner à son personnage la voix caractéristique qu’on lui connaît, mystérieuse et menaçante.

Le sournois Gollum

Pour finir, les musiques de cet opus sont à la hauteur des précédentes. Magnifiques, douces, stressantes ou tristes, ce sont grâce à elles qu’on apprécie le film et elles nous procurent de nombreuses sensations. Elles sont elles aussi signées Howard Shore pour notre plus grand bonheur. La plus belle mélodie de cet album reste à mon goût Evenstar.

En écoute avec Deezer » Evenstar

www.deezer.com/track/4147

D’une beauté renversante, cette musique retrace parfaitement l’esprit et l’ambiance du film. Vient ensuite une piste également incroyable et sublime, à savoir Gollum’s song.

On retient enfin deux musiques incroyables. Premièrement, Isengard Unleashed, qui est frissonnante à souhaits à partir de 2:20 et qui rappelle la sublime marche des Ents, une des scènes les plus magnifiques et vibrantes du film. A écouter et ré-écouter. Pour finir, voici une puissante et merveilleuse musique, Samwise the Brave. Elle nous transmet une émotion très intense à partir de 38 secondes, et je ne vois pas comment on peut y être insensible. Mais tout le score de ce film est à écouter, car il est subliment orchestré.

Voici la bande-annonce de ce deuxième opus du Seigneur des Anneaux.

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III – Le Retour du Roi

Affiche

Pour finir, voici le dernier volet de cette saga désormais culte, le Retour du Roi. Sorti en décembre 2003, ce film est incontestablement le meilleur des trois. Il vous fera rire, sursauter, pleurer et frissonner. L’histoire est toujours de plus en plus sombre, où tout repose sur les épaules de Frodon et Sam, qui s’approchent de la Montagne du Destin. Gandalf, Aragorn et leurs alliés vont tout faire pour livrer bataille contre les innombrables armées de l’ennemi afin de détourner l’attention de Sauron, laissant une minime chance à Frodon d’accomplir sa quête.

Voici le film le plus spectaculaire de tous. Il est saisissant, impressionnant, grandiose et mythique. Sa durée hallucinante (3h20 au cinéma, et 4 heures en version longue), était tout simplement nécessaire pour nous montrer la dernière partie de cette incroyable épopée. Apparaît alors le personnage de Dénéthor, l’Intendant du Gondor, joué par John Noble. Un personnage exécrable, qui refuse de se battre et d’aider le Rohan contre l’ennemi, s’avouant vaincu par les forces sombres. Il ne se rendra compte de l’amour qu’il porte pour son fils Faramir qu’à la toute fin.

Frodon, rongé par l'Anneau de pouvoir

Ce film contient un nombre impressionnant de scènes émouvantes, notamment grâce à Viggo Mortensen (Aragorn), en meneur des troupes à la fin du film, où il court au ralenti seul face à l’armée gigantesque du Mordor. Cette scène est l’une des scènes les plus belles qu’il m’ait été donné de voir. Après 8 heures de film, ce passage est d’une intensité et d’une émotion très riches. Enfin, toutes les scènes avec Frodon et Sam, principalement pendant toute la dernière demie-heure du film, sont exceptionnelles et j’ai du mal à imaginer comment ces séquences auraient pu être mieux réalisées. L’ascension de la Montagne du Destin est tout simplement un moment d’anthologie.

Les effets spéciaux sont toujours au rendez-vous, on retiendra l’armée des morts-vivants ainsi que la bataille où les Spectres Ailés et les aigles se joignent à la guerre.

Le dénouement est sublime, simple, triste mais inévitable. Lorsqu’on ressort de ce film, on y repense pendant quelques jours, encore immergés dans l’ambiance et l’émotion qu’il nous a procuré. Imaginer tout ce qu’ont vécu les personnages et la façon dont ils doivent se sentir à la fin de cette épopée donne un effet incroyablement nostalgique.

Viggo Mortensen dans le rôle d'Aragorn

Pour finir, les musiques surpassent celles des deux premiers épisodes. A commencer par The Return of the King. Cette incroyable piste de 10 minutes est un pur bonheur.

En écoute avec Deezer » The Return of the King

www.deezer.com/track/19441

Elle apparaît à la toute fin du film, et retrace toutes les musiques cultes de la trilogie, la musique des hobbits, du Gondor, mais surtout le chant magnifique du roi qu’on peut entendre à 3:35 et qui est d’une beauté saisissante. Et Eärello Endorenna utúlien. Sinomë maruvan ar Hildinyar tenn’Ambar-metta. Ensuite, la musique qui est la plus magnifique à mon goût est Twilight and Shadow. Ce que ressentent les admirateurs de la trilogie en entendant cette musique n’est tout simplement pas qualifiable. Il en va de même pour Grey Havens et The End of All Things (notamment à 5:05).

Pour finir, voici la dernière bande-annonce de cette trilogie désormais culte.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

A noter qu’une adaptation de Bilbon le Hobbit, un autre roman de J. R. R. Tolkien basé sur le même univers, est prévue pour 2012.

Fruit de la collaboration du réalisateur Robert Zemeckis et du scénariste, Bob Gale, ils se sont demandés comment aurait pu se passer leur rencontre avec leurs propres parents. La saga Retour vers le futur est alors née en 1985. Les aventures temporelles de Marty McFly et du professeur loufoque Emmett Brown ont ravi critiques et spectateurs par leur humour débordant et leur originalité inégalée, et ont marqué le point de départ de l’une des trilogies cinématographiques les plus populaires de tous les temps… De temps qu’elle se charge de mettre sens dessus dessous !

La saga a continué en 1989 avec un deuxième volet très futuriste, Retour vers le futur II puis elle s’est achevée dans le monde du Far West en 1990 avec Retour vers le futur III.

Retour vers le futur I :

La fameuse scène du hover board est une drôle de manière de faire du skate-board

Michael J. Fox

En 1985, Marty McFly mène une existence anonyme auprès de sa petite amie Jennifer, seulement troublée par sa famille en crise et un proviseur qui serait ravi de l’expulser du lycée. Ami du professeur Emmett Brown, il l’accompagne un soir tester sa nouvelle expérience : le voyage dans le temps via une DeLorean. Un peu plus tard, des trafiquants d’armes débarquent et assassinent le professeur. Marty se réfugie dans la voiture et se retrouve transporté en 1955. Là, il empêche malgré lui la rencontre de ses parents, et doit tout faire pour les remettre ensemble, sous peine de ne pouvoir exister… (Source Allociné)

Le premier volet est très plaisant et drôle. Que dire de plus ? Le final et plus précisément la scène où Michael J. Fox interprète un morceau qui balance du tonnerre, est démentiel !

Christopher Lloyd est sacrément grandiose dans son rôle de professeur barré. Comme il dit si bien dans le film, « il faut voir grand dans la vie si l’on veut voyager à travers le temps au volant d’une voiture, autant en choisir une qui ait de la gueule ». Oui, c’est bien ça ! Le film a de la gueule dans lequel on prend un plaisir certain à suivre leur aventure, et si en plus, ce premier film réunit amour et action. Chapeau !

Retour vers le futur II :

Deuxième volet dans lequel Michael J. Fox et Christopher Lloyd reviennent dans le futur avec cette scène emblématique qui est le départ du film, là où Marty McFly va découvrir son autre soi (ou moi, je ne sais plus…).

Michael J. Fox

Une autre séquence importante est celle où Marty McFly se jette d’un building et est rattrapé par une DeLorean pour s’enfuir…

Michael J. Fox et Christopher Lloyd

Lors de son premier voyage en 1985, Marty a commis des erreurs. L’avenir qu’il s’était tracé n’est pas si rose, et son jeune fils est tombé sous la coupe du voyou Griff Tannen, qui veut régner sur la ville. En compagnie de son ami Emmett Brown et de sa fiancée Jennifer, Marty va devoir entreprendre un voyage vers le futur, pour tenter de donner un peu plus de moralité à son héritier. Un voyage aux conséquences dramatiques... (Source Allociné)

Une excellente suite dans laquelle le tandem Michael J. Fox et Christopher Lloyd fonctionnent à plein régime. Les effets spéciaux et la musique sont toujours aussi entrainants. D’ailleurs, ce deuxième volet est plus rythmé avec plusieurs allers-retours entre passé, présent et futur et des rebondissements toujours plus complexes.

Quant à l’humour, on jubile presque rien qu’à voir certains comédiens comme Biff Tannen (Thomas F. Wilson). Une belle présentation du futur est faite au début du film alors que la scène finale réserve un suspens qui nous laisse penser à un troisième volet ! Encore plus magnifique

Retour vers le futur III :

Rien qu’une affiche de film pour vous parler de ce troisième et dernier volet encore plus épatant. L’actrice Mary Steenburgen (Clara Clayton) se joint à Michael J. Fox et Christopher Lloyd dans ce troisième épisode époustouflant, qui conclut sur les chapeaux de roues l’épopée trilogique des aventures temporelles.

Affiche du 3ème volet

Après son voyage mouvementé entre passé, présent et futur, Marty McFly apprend par une lettre vieille de 100 ans que son vieil ami Emmett Brown serait atterit en 1880 au volant de sa DeLorean, restant ainsi prisonnier du farwest, sous la menace de Buford “Molosse” Tannen qui s’est juré de le tuer. Il n’a que 5 jours pour retrouver Doc et le ramener vivant vers le présent… (Source Allociné)

Accomplissant un vieux rêve, Emmet Brown vit dans les Far West des années 1880 mais les choses ne tournent pas aussi rond que prévu… Voyant que son ami va connaitre de sérieux problèmes, Marty repart dans le passé pour l’aider. Seul hic au tableau : Emmet Brown tombe amoureux d’une jeune maitresse d’école Clara Clayton, qu’il en perd la tête. Autant d’imagination pour empêcher les complications, réparer la DeLorean, préserver le passé, le présent et le futur et les faire repartir là où le premier volet s’était arrêté !

Ce dernier volet recense autant d’effets spéciaux, d’action, d’humour et d’imagination que les 2 précédents, qui sont parfaitement maitrisés. La finalité du film est magnifique et émotive où celle-ci vient clore avec jubilation une des meilleurs sagas trilogiques alliant la comédie et l’aventure.

Un petite résumé en image :

Pour terminer la boucle sur cette saga culte, je vous parlerai de cette BOF absolument magnifique avec des petits passages à la guitare bien enchainés qui nous entrainent (très) loin.

La trilogie m’a été offerte en cadeau d’abonnement par le magazine Studio/Ciné Live (ex. Ciné Live). C’est beau l’amour du cinéma

Affiche du film

Et si ce film a remporté cinq Oscars (ceux des meilleurs film, réalisateur, photographie, maquillage et montage d’effets sonores), ce n’est vraiment pas pour rien. Il frôle la perfection dans son genre.

Premièrement, le film dure 2h45 et le scénario ne s’essouffle absolument pas. Il retrace avec beauté la vie et le courage de William Wallace, de façon très prenante. Même si le scénario peut sembler très peu attirant à première vue (ce qui m’avait dissuadé de le voir au début), il est servi d’une façon qui ne peut nous ennuyer. Tout d’abord parce qu’on s’attache énormément au personnage principal, absolument touchant dans son éternel désir de révolte contre l’homme qui est à l’origine de la mort de sa promise. Mais aussi parce que le scénario est fort en rebondissements et bénéficie d’une fin très mémorable qui, après 2h30 de film, ne peut pas laisser de marbre.

Le film débute et finit sur deux scènes sublimes, sur fond de musiques magnifiques.

Mel Gibson, le début de la révolte

Ce qui fait une des forces du film, ce sont les batailles. Les amateurs jubileront devant tant de maitrîse de la caméra, devant les plans si biens travaillés, suffisamment implicites pour ne pas nous dégoûter. Pour ceux qui, comme moi, n’aiment pas les batailles, vous serez surpris par l’incroyable déroulement de celles-ci. Elles savent nous étonner, car elles ne montrent pas seulement des combats stupides entre les figurants, elles mettent en valeur toutes les stratégies développées par les différentes armées. D’un point de vue cinématographique, ces scènes furent très novatrices et ont beaucoup inspiré les autres films du genre, comme Le Seigneur des Anneaux ou Troie. Et elles égalent toujours celles des films actuels.

Mel Gibson dans le rôle de William Wallace

Mais le film ne se résume pas à ceci, fort heureusement, extraordinaire également grâce à ses acteurs… Mel Gibson excelle ici dans toute sa splendeur. Ses jeux de regards sont ahurissants, humains, émouvants. Il parvient à nous transmettre ses émotions et d’immenses frissons rien que par ses yeux. C’est une chose que très peu d’acteurs peuvent se vanter d’avoir. Enfin, le film met en scène notre chère Sophie Marceau, qui trouve dans ce film le meilleur rôle de sa vie. Elle n’aura jamais été aussi compétente et magnifique. Je tiens également à saluer la performance de Angus Macfadyen, très peu connu mais qui brille dans le rôle de Robert le Bruce.

Sophie Marceau et Mel Gibson

Ensuite, ce film reste depuis des années dans mon top 10 personnel grâce à son extraordinaire fin. C’est tout simplement l’une des meilleures fins de films à mon goût. Elle est très intense et belle.

Enfin, je ne peux pas faire l’éloge de ce film sans parler du plus grand atout qu’il possède (et que j’ai donc gardé pour la fin), à savoir sa BOF. Les musiques sont saisissantes, magnifiques, d’une genre celtique, et on remercie The London Symphonie Orchestra et James Horner de nous avoir créé cette merveille. J’en ferai un article plus détaillé demain, mais je vous laisse avec un aperçu de cette sublime bande-son (absolument sublime à partir de 0:35).

En écoute avec Deezer » A Gift of a Thistle

www.deezer.com/track/36630

Voilà la fin de ce billet, qui s’achève sur la bande-annonce du film.

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