Découvrez les affiches et bandes-annonces des deux films.

les Boloss, c’est l’histoire de quatre « anti-héros » Will, Jay, Niel et Simon qui partent en vacances en Crète, avec un seul objectif : sea, sex, sun… and sex.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Boloss – The Inbetweeners

de Ben Palmer

avec

Simon Bird, James Buckley, Blake Harrison et Joe Thomas

Date de sortie France : 21 décembre 2011 !

A Dangerous Method évoque les relations entre les pères fondateurs de la psychanalyse, Jung et Freud, et une jeune patiente.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

A Dangerous Method

de David Cronenberg

avec

Viggo Mortensen, Michael Fassbender, Keira Knightley…

Date de sortie France : 21 décembre 2011 !

Le jeu-concours.

Charlotte (59), Patrick (31), Jean-Marc (06), Séverine (58) et Sophie (45) gagnent une place pour aller voir le premier film présenté “Les Boloss”.

Kevin (49), Audrey (61), David (35), Claudia (29) et Emilie (67) gagnent une place pour aller voir le second film présenté “A Dangerous Method”.

Merci à vous tous !

Bonnes fêtes de fin d’année !

RÈGLEMENT DU JEU

• Une seule participation par personne, par e-mail et par foyer est autorisée. En cas contraire, flagrant ou douteux, (participations multiples, bulletins à coordonnées identiques, erronées ou incomplètes), la Rédaction de Cinematon annulera la participation.
• Jeu ouvert à la France Métropolitaine.
• Le jeu se déroulera jusqu’au 20 décembre 2011 23:59. Les réponses reçues après cette date limite ne seront pas valides et ne seront pas comptées dans le nombre total de participations.
• La participation à ce jeu implique que vous autorisiez Cinematon à utiliser les informations vous concernant dans ce concours. Les coordonnées seront uniquement utilisées pour recevoir les lots, elles ne seront pas transmises à un tiers.
• Cinematon n’est pas responsable des envois postaux des lots et de son acheminement.

Mostra de Venise 2011 edition n° 68.
3 nominations :

Synopsis. Sabina Spielrein, une jeune femme souffrant d’hystérie, est soignée par le psychanalyste Carl Jung. Elle devient bientôt sa maîtresse en même temps que sa patiente. Leur relation est révélée lorsque Sabina rentre en contact avec Sigmund Freud…

Découvrez la bande-annonce en VOST !

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Réalisé par David Cronenberg

Avec Viggo Mortensen, Michael Fassbender, Keira Knightley…

Date de sortie France : 21 décembre 2011 !

Vous pouvez rejoindre la page Facebook du film ici.

Distribution : Mars Distribution.

Ce classement répond à la demande de l’organisateur du blog « My Screens » dont le recensement se fait sur l’une de ses pages.

1 – Viggo Mortensen

Il signe avec Kodi Smit-McPhee une excellente performance dans La Route, un film post-apocalyptique où un homme et son fils tentent de survivre par tous les moyens… Une vraie leçon d’humanité donnée par ces deux êtres !

2 – Leonardo DiCaprio

Cette deuxième place lui revient pour ses rôles dans le formidable drame des « Noces Rebelles » au côté de Kate Winslet et les films psychologiques qui vous rendent fous, « Inception », « Shutter Island ».

3 – Yvan Attal

Dans ce classement, je doit reconnaitre l’immense talent du comédien français, Yvan Attal, qui avait perdu 20 kilos pour les besoins de son rôle dans le polar de Lucas Belvaux (« Rapt »). « Une expérience éprouvante dans laquelle il incarne le rôle de ce PDG si torturé, affaibli, orgueilleux. Son interprétation donne au film de Lucas Belvaux une toute autre dimension humaine, celle d’un homme meurtri et profond à qui la liberté sera plus dur que la captivité ! »

4 – Ewan McGregor (pour ses rôles dans « Anges et Démons » et « The Ghost Writer »).

5 – Forest Whitaker (pour son rôle émouvant et juste dans le film d’Olivier Dahan « My Own Love Song »).

6 – Robert Downey Jr. (pour ses rôles exceptionnels dans « Iron Man » et « Sherlock Holmes » où il mène une vie rythmée par AC/DC  pour l’un et son enquête de détective avec son flegme britannique pour l’autre).

7 – Liam Neeson (« Taken », « The Other Man », « Chloé », le futur remake de « Pour Elle »)

8 – Nicolas Cage (« Benjamin Gates », « Bad Lieutenant : Escale à la Nouvelle-Orléans », « Kick-Ass » « L’Apprenti Sorcier » et surtout l’excellent « Rock »)

9 – Romain Duris (pour son rôle de dragueur invétéré dans le film de Pascal Chaumeil)

10 – Gérard Depardieu (pour son rôle magique dans le film très poétique et simple des deux grands copains de Groland, Benoît Delépine et Gustave Kervern)

Voilà, mon classement des meilleurs acteurs de cinéma. Merci au blog « My Screens » pour ce petit sondage intéressant.

Le scénario est on ne peut plus basique. Un homme et son fils (dont on ne connait pas les noms) ont survécu, 10 ans plus tôt, à une terrible catastrophe. Absolument personne ne sait ce qu’il s’est passé, si ce n’est que les survivants ont vu un grand éclair aveuglant avant que le monde n’explose. C’est donc dans une ambiance post-apocalyptique que deux rescapés tentent de survivre et de trouver de la nourriture. Celle-ci se fait rare, la végétation a disparu. Le peu de survivants erre dans un monde complètement dévasté, gris, mort et couvert de cendre. Face à cette catastrophe, la plupart des “miraculés” ont adopté le cannibalisme. Seules les quelques personnes à qui il reste une once d’humanité essaient par tous les moyens de trouver de quoi se nourrir et se vêtir sans en venir à cette sauvagerie. C’est en poussant un vieux caddie rempli de toutes sortes de choses qu’ils ont pu sauver, que père et fils voyagent sans réel but, foulant une Terre vide de sens. Même s’ils n’ont plus aucune raison de vivre, ils continuent de se battre pour survivre et éviter de devenir les proies des autres. Ici, tout ce qui bouge est dangereux, ils vivent dans un monde de frayeur où la loi qui prime est la loi du plus fort.

Ce film montre avec un pessimisme affolant (mais c’est ce qui en fait sa force) la nature de l’être humain dans des conditions de survie. Et certains trucs choquent, clairement. Et s’ils choquent et font peur, c’est parce qu’ils ne sont peut-être pas si loin de la vérité. Que feraient les hommes dans cette condition ? La réponse est très probablement dans ce film. C’est peut-être une des raisons pour lesquelles il a été si peu médiatisé. Car il nous rappelle que dans notre univers candide et optimiste du “tout le monde est gentil”, on oublie parfois que la vraie nature de l’homme est inconnue. Nous sommes des milliards sur Terre et nous sommes incapables de savoir comment nous réagirions dans une telle situation de crise. Jusqu’où irions-nous pour survivre ? De quoi serions-nous capables pour protéger les dernières choses qui nous restent ? Nous n’en savons rien, et c’est une réalité vraiment effrayante.

Le film montre avec réalisme et de façon captivante un monde que nous ne connaissons pas, mais vers lequel l’être humain arrive peut-être. De nombreuses scènes nous heurtent, car on est scandalisés face à si peu d’éthique. Des scènes affreuses froissent notre bonne morale, nous gênent, nous terrifient. On se sent vraiment bizarre, on souffre de voir que ces choses abonimables sont effectivement des critères à envisager dans le caractère de l’être humain. C’est une sensation étrange, dérangeante. Le seul nom que je lui trouve est le sentiment d’un “scandale”. C’est principalement en ceci que le film est si percutant.

L’autre raison pour laquelle ce film est si frappant, c’est qu’il est d’un pessimisme rare au cinéma. Bien loin des autres films apocalyptiques comme 2012 ou Le jour où la Terre s’arrêta, La Route ne laisse pratiquement aucune place à l’espoir, sinon un espoir éphémère. Même la fin du film, presque positive, ne nous convainc pas à rester optimiste. On ressent simplement une chose : il n’y a plus aucun but, plus aucun espoir. Et quoi que les personnages fassent, ça ne reviendra pas. La seule consolation qu’il leur reste, c’est d’être unis, ensemble, pour progresser vers quelque chose d’irrémédiablement sombre. Seuls l’amour et la complicité leur permettront d’avoir envie de vivre. Pour être ensemble coûte que coûte et se protéger mutuellement.

La confiance envers les autres a fait place à la méfiance permanente, et même à la peur de l’autre. Et finalement, c’est peut-être également un reflet de notre société actuelle. La peur de l’autre. Le film nous présente de façon crue une triste éventualité. Derrière les faux-semblants et l’impression que le monde entier est aujourd’hui uni et que les hommes sont solidaires les uns avec les autres, se cache une réalité toute autre. Lorsqu’on est livrés à nous-mêmes, tout ceci n’existe plus. Il n’y a plus de fraternité qui compte. Par contre, et fort heureusement, le film est relativement positif sur ce point. Il nous laisse penser qu’en une telle situation, certaines personnes ont la force morale nécessaire pour ne pas tomber dans la barbarie. Ce qui permet de rassurer le spectateur.

Mais cessons toute cette réflexion et abandonnons le fond du film pour parler de sa forme.

Esthétiquement, le film est vraiment magnifique. On voit un monde entièrement vide de couleurs, de son, et de vie. Certaines images sont époustouflantes tant elles sont belles. Les paysages offrent un univers impressionnant, dans lequel on entre immédiatement. On nous présente un homme et son fils, visiblement las et découragés, mais qui avancent précautionneusement avec un caddie rempli de toutes sortes d’objets. Ils sont sur leurs gardes, ils guettent le moindre bruit, synonyme de danger.

Le film alterne les scènes calmes, portées sur la relation père/fils, avec des scènes palpitantes de fuites et de rencontres. En quête de nourriture, les deux personnages se soutiennent moralement et jouent un véritable cache-cache pour pouvoir s’en sortir. L’histoire est ainsi tantôt poignante, tantôt stressante et passionnante.

Une scène sublime

Le film comporte évidemment peu d’acteurs, mais ils sont tous géniaux. A commencer par l’excellent Viggo Mortensen. Physiquement très modifié, amaigri, vieilli, il est presque méconnaissable. Avec sa barbe, ses vêtements rapiécés et son regard attristé, on est bien loin du Viggo Mortensen de A History of Violence, bien que ce titre eut été adapté au contexte de l’histoire. Il prouve une fois de plus qu’il est un grand acteur, capable d’exprimer la souffrance, la tristesse, le désespoir. Avec son sourire incomparable ou ses yeux en pleurs, il parvient à nous transmettre une foule d’émotion. Il arrive à rendre son personnage attachant, incroyablement humain, qui se pose beaucoup de questions sur lui-même. Kodi Smit-McPhee est également superbe dans le rôle du fils. On sent une réelle complicité entre les deux acteurs et leurs interprétations sont touchantes. Autre excellent élément de ce casting : Michael K. Williams. Il incarne un homme qui survit seul et qui essaie de voler le caddie de nos “héros”. Mal lui en prendra, il sera aussi source d’une infinie pitié de la part du spectateur, qui subira un autre choc scandalo-émotionnel (oui j’invente des mots !). Charlize Theron est également éblouissante.

Pour conclure, la BO de ce film est absolument magnifique. Les musiques sont touchantes, poignantes, profondes et vraiment appropriées au contexte du film.

Ce film est donc à mon goût un véritable chef d’oeuvre qui mériterait plus de considération. C’est pour moi l’un des meilleurs de 2009, sans conteste. Il me tarde de lire le livre, s’il est aussi bon qu’on le prétend.

Je vous conseille d’aller le voir au cinéma (en VO si possible), avant qu’il ne soit plus disponible en salles. Voici la bande-annonce :

Cliquer ici pour voir la vidéo.

(…) « le livre a autant de succès parce que le message est universel. N’importe qui, dans n’importe quel pays, quelle que soit sa culture, peut comprendre l’amour que ce père porte à son fils ». Il précise toutefois la question centrale du film, qui, à son avis, touche une corde sensible chez tous les lecteurs est « celle, pour un parent, de savoir ce qui va arriver à son enfant quand il ne sera plus là » (…) L’un des principaux intérêts de The Road est que la situation dans laquelle se trouvent les personnages « a été poussée à l’extrême » (…)

Par Isabelle Hontebeyrie via http://lebuzz.info/

The Road, en version française, met en place une histoire dans laquelle il est question de l’avenir de notre belle planète où l’humanité est au coeur d’un très gros problème… A en lire la critique d’Isabelle Hontebeyrie, Viggo Mortensen et Kodi Smit-McPhee signent une excellente performance dans un film post-apocalyptique où un homme et son fils tentent de survivre par tous les moyens… Une vraie leçon d’humanité donnée par ces deux êtres !

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Sortie en salles le 2 décembre 2009

Bouleversée par la mort d’une jeune fille qu’elle aidait à accoucher, Anna tente de retrouver la famille du nouveau-né en s’aidant du journal intime de la disparue, écrit en russe. En remontant la piste de l’ouvrage qu’elle tente de faire décrypter, la sage-femme rencontre Semyon. Elle ignore que ce paisible propriétaire du luxueux restaurant Trans-Siberian est en fait un redoutable chef de gang et que le document qu’elle possède va lui attirer de sérieux problèmes… Pour Nikolai, chauffeur et homme de main de la toute-puissante famille criminelle de l’Est, c’est le début d’une remise en cause. Entre Semyon et son fils Kirill, prêts à tout pour récupérer le journal, et l’innocente Anna, sa loyauté va être mise à rude épreuve. Autour d’un document qui se révèle de plus en plus explosif, plusieurs vies sont en jeu, dont la sienne, alors que se déchaînent les meurtres et les trahisons dans la famille comme dans la ville…

(source : Allociné)

Kiril (Vincent Cassel) et Nikolaï (Viggo Mortensen) se la coulent douce dans un bordel de Londres.

Les Promesses de l’Ombre est avant tout un grand film d’acteurs : en effet, bien que tous les personnages soient russes, tous les acteurs sont d’une autre origine ! Anglaise, Naomi Watts éblouie par sa tendresse et permet sans mal l’identification du spectateur pour celle qui représentera la normalité dans ce monde de brutes. Allemand, Armin Mueller-Stahl devient vite terrifiant dans son rôle de parrain. Français, Vincent Cassel est d’une dangereuse ambiguïté et interprète solidement le chien fou de la bande. Le réalisateur polonais Jerzy Skolimowski a quant lui un rôle particulier dans lequel il excelle tout autant : d’abord personnage comique pour contrebalancer la noirceur du film, il se montrera bientôt beaucoup moins drôle, rattrapé par les horribles événements.

Mais la palme revient bien évidemment à l’américain Viggo Mortensen qui, habillé de somptueux costumes Armani, fait preuve d’un charisme si évident qu’il éclipserait presque tous les autres acteurs ! Avec un délicieux accent russe, il est parfois effrayant, parfois étonnamment réconfortant et toujours d’une grande classe, jusque dans la scène où il se bat nu dans un hammam, scène particulièrement éprouvante de par sa violence. Avec une nomination à l’Oscar du meilleur acteur amplement méritée (mais la compétition était rude face à Daniel Day-Lewis), Mortensen trouve dans son incarnation de mafieux russe plus vraie que nature (dû à des recherches très riches) son meilleur rôle depuis le bouleversant The Indian Runner (1991) de Sean Penn.

Nikolaï Luzhin, un mafieux russe particulièrement terrifiant...

Mais Les Promesse de l’Ombre est par ailleurs un très grand film et un nouveau sommet dans la filmographie de David Cronenberg qui, de Dead Zone à Crash en passant par La Mouche ou Le Festin Nu, en compte déjà beaucoup. Le film est tout à fait saisissant par sa description précise de la mafia, tout en restant purement dans le style de Cronenberg.

Nikolaï en pleine discussion avec le parrain Semyon (Armin Mueller-Stahl) : l'ascension approche...

Celui-ci expose en effet une mafia encore inédite : terrifiante, impitoyable, sans aucune valeur familiale comme chez les siciliens, et surtout qui ne reculera devant rien pour étouffer ses crimes. En insistant bien sur le fait qu’il est nécessaire de renier sa propre famille pour rejoindre la confrérie criminelle, Cronenberg construit une mafia exilée mais réellement autonome, en marge de tout système social. Il insiste également sur ces tatouages inscrits sur les corps des mafieux, source d’une longue recherche heureusement jamais pesante sur le film. Ces tatouages, servant de langage crypté pour les mafieux, instaurent véritablement un ordre caché et qu’il est très dangereux de vouloir mettre à jour, comme le découvrira le personnage de Naomi Watts.

Tout ce petit monde peu recommandable opère dans un Londres sans Big Ben ni touristes, mais au contraire plongée, froide, dans la nuit pluvieuse. Magnifiquement éclairée par Peter Suschitsky, la ville a droit à bon nombre de plans contemplatifs somptueux de Cronenberg qui en fait une ville complètement désincarnée et désemparée, conquise par une force obscure contre laquelle la police ne lutte que difficilement. Quand David Cronenberg s’intéresse à la mafia, il la montre donc aussi sombre, dangereuse et répugnante qu’elle puisse être. Rarement le crime organisé n’aura été si pétrifiant au cinéma, et peut-être même aussi parfaitement décrite…

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Frodon Saquet

Ce chef d’oeuvre de la littérature, écrit par le grand J. R. R. Tolkien au milieu des années 1950, est un magnifique pavé d’une telle consistance qu’il paraissait impossible d’en faire une adaptation fidèle. Et pourtant, jamais un cinéaste n’aura autant respecté les détails et l’ambiance d’un livre. Le projet a nécessité un budget de 300 millions de dollars et les trois films totalisent près de 11 heures de séance qui passent à une vitesse folle et de façon très captivante. Le pari est amplement gagné pour le réalisateur qui rêvait de porter sa vision du livre à l’écran depuis longtemps. Le projet a également le mérite d’être la toute première fois que trois films sont tournés de manière simultanée.

I – La Communauté de l’Anneau

Affiche

Ce premier film sorti en décembre 2001 fut un succès immédiat. Mais la beauté du film et sa quasi-perfection ne se sont pas faites sans mal. Le tournage de la trilogie, qui a nécessité plus de sept ans de travail, a été épuisant et certains acteurs ont même dû apprendre à parler l’elfique, une langue belle et pure, totalement inventée par Tolkien. Il est arrivé aux comédiens de tourner jusqu’à 16 heures par jour, mais ils ne semblent en garder que de bons souvenirs, qualifiant de “familiale et unique” l’ambiance et l’expérience de ce tournage. On peut voir quelques chiffres à propos du film (notamment en ce qui concerne le matériel utilisé) sur Allociné, à cette page. C’est très impressionnant.

Mais parlons du film en lui-même. Quand Peter Jackson fait quelque chose, on voit qu’il s’y met à fond ! Nonobstant quelques omissions par rapport au livre, qui sont minimes, le travail fourni est absolument énorme, presque inimaginable. D’une durée de 2h45 en version courte (ajoutez une demie-heure pour la version longue, oui rien que ça !), la Communauté de l’Anneau est à mon goût l’un des meilleurs films de toute l’histoire du cinéma, car il mêle le fantastique, l’action, l’aventure, l’humour, les paysages magnifiques de la Nouvelle-Zélande, un scénario simple (mais seulement à première vue) et des musiques éblouissantes.

Un Nazgul

L’histoire est simple. Sauron, le Seigneur des Ténèbres, a besoin d’un objet pour régner sur le monde et retrouver sa force d’antan : l’Anneau Unique qu’il a lui-même forgé. Il ne doit absolument pas être retrouvé par son maître et c’est Frodon Saquet, un timide hobbit, qui en hérite par un pur hasard. Il est alors chargé d’une mission périlleuse : détruire l’anneau en le jetant dans la lave de la Montagne du Destin, l’endroit où il a été créé. Il sera aidé par une Compagnie de 8 personnes de toutes origines, qui formeront ensemble la Communauté de l’Anneau. Ce premier volet situe l’histoire, nous fait découvrir les personnages principaux et retrace le début de l’aventure de la communauté, jusqu’à sa dislocation.

Sous ses allures un peu banales, le scénario est truffé de plein de détails qui en font un voyage exceptionnel et surtout captivant. L’univers du Seigneur des Anneaux est complexe, très grand. C’est un monde à part, plein de surprises et de situations inattendues qui ne peuvent pas nous laisser indifférent. Dans la Communauté de l’Anneau, même si l’histoire est centrée principalement sur les héros Frodon, Gandalf et le dénommé Grand-Pas, on nous présente un nombre affolant de personnages tous plus intéressants et importants les uns que les autres. Les personnages sont de toutes races, profonds et attachants.

Grand-Pas, joué par Viggo Mortensen

Le film nous fait ressentir toutes sortes d’émotions. Des nombreux passages font rire, notamment grace aux hobbits Merry et Pippin. L’humour est assez peu au rendez-vous mais suffisamment pour qu’on ne s’ennuie pas. Ensuite, le film comprend beaucoup de suspense dans les passages mettant en scène les cavaliers noirs, dits Nazguls, qui constituent des moments non seulement haletants et terrifiants, mais également d’une beauté absolue. Cette beauté qui nous fait frissonner est dûe aux couleurs sublimes du film, aux ralentis judicieux qui offrent un rendu magnifique, mais surtout grâce à la bande sonore, composée de musiques magistralement orchestrées. On ressent également de la magie et de la compassion pour les personnages lors de leur arrivée à la Lothlorien, une sublime demeure d’Elfes au milieu de la forêt. Enfin, on éprouvera une tristesse immense lors d’une certaine scène dans les mines de la Moria, un des repaires des Nains, encore dûe à une musique incroyable et à une justesse dans le jeu des interprètes.

Les acteurs, quant à eux, sont d’un talent époustouflant, sans exception. A commencer par Viggo Mortensen, qui joue le mystérieux et courageux Grand-Pas. Sir Ian McKellen est parfait dans le rôle de Gandalf, tandis qu’Elijah Wood nous offre sa meilleure performance d’acteur dans la peau d’un Frodon naïf mais attachant. Sean Astin, Dominic Monaghan, Ian Holm et Billy Boyd nous font rire dans leurs rôles de hobbits têtus et boute-en-train. Même Orlando Bloom se surpasse et joue de façon crédible, accompagné de John Rhys-Davies et Sean Bean. Christopher Lee est terrifiant dans la peau de Saroumane. On notera la présence de Hugo Weaving, l’agent Smith connu dans Matrix, et des deux magnifiques actrices Liv Tyler et Cate Blanchett, toutes deux éclatantes de beauté et de talent en elfes pures et sensibles.

Liv Tyler dans le rôle de l'elfe Arwen

Ensuite, on constate que les effets spéciaux spectaculaires sont parfaitement maîtrisés, les mouvements de caméra grandioses donnent de très belles scènes, qui nous laissent bouche bée. Il faut noter aussi un effort incroyable du côté des accessoires et des costumes, qui donnent au film une ambiance unique et très classe.

Pour finir, les musiques du film posent l’ambiance et sont extraordinaires. A commencer par May It Be (cliquez pour écouter sur Deezer), chantée par la talentueuse Enya, et qu’on entend à la fin du film lors du générique. L’ambiance imposée par cette mélodie est frissonnante quand on repense au film qu’on vient de voir. Le reste des musiques est composé par Howard Shore et ce sont des musiques majestueuses et poignantes. En voici un aperçu avec The Breaking of the Fellowship.

En écoute avec Deezer » The Breaking of the Fellowship

www.deezer.com/track/15250

Une musique calme et caractéristique du film qui ne manque pas de nous faire vibrer. On retiendra aussi les musiques comme A Knife in the Dark ou A Journey in the Dark, deux musiques très stressantes qui rythment le film. Je finirai par les trois plus belles musiques de l’album. Il y a tout d’abord Flight to the Ford, qui débute sur une mélodie triste et nostalgique, pleine de douceur. Ensuite, la musique dans laquelle on entend le thème de l’anneau, The Great River, qui est magnifique de 1:52 à la fin, frissonnante à souhaits. Pour finir, j’aborderai ce qui reste à mes yeux la meilleure musique de ce premier volet, à savoir un passage de The Bridge of Khazad-Dûm. La musique est abolument ahurissante de beauté et de tristesse de 4:37 à la fin. Cette voix sur fond de musique déprimante est touchante et retransmet parfaitement l’émotion qu’on a pu ressentir au moment du film où elle passe. Ajoutée au talent d’Elijah Wood et de Viggo Mortensen, elle peut même en faire pleurer certains.

Voilà tout pour ce premier opus du Seigneur des Anneaux, dont voici la bande-annonce officielle.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

II – Les Deux Tours

Affiche

Même si le niveau de ce deuxième volet est légèrement en deçà de ceux des deux autres, il n’en reste pas moins un des meilleurs films produits au cinéma. Les Deux Tours, sorti en décembre 2002, est la suite inévitable de la Communauté de l’Anneau, un peu plus sombre mais aussi plus grandiose. Après la disparition de deux de ses membres, la communauté se sépare en trois groupes. Frodon et Sam, maintenant investis de leur mission, à savoir se rendre sur le territoire de l’ennemi pour détruire l’Anneau Unique, remarquent qu’ils sont suivis par Gollum, une étrange créature corrompue par l’Anneau. Merry et Pippin se font capturer par des Uruk-hai, des êtres malfaisants. Ils vont réussir à s’échapper pour trouver un allié inattendu : l’Ent Sylvebarbe. Quant à Aragorn, Gimli et Legolas, ils partent à leur recherche et font route vers le Rohan. On découvre des lieux inouis, majestueux, comme Minas Tirith ou le Gouffre de Helm, qui ont été portés à l’écran de façon incroyable.

Minas Tirith

Le film dure 3 heures (3h30 en version longue) et démarre sur une musique frissonnante qui nous replonge immédiatemment dans l’univers de la trilogie, à savoir Foundations of Stone, qui constitue ce que j’appelle la musique de l’Anneau. Le début de ce deuxième volet nous offre une scène sublime, qui est également surprenante. Ce film diffère du précédent car il nous montre de nombreuses batailles. Elles sont très présentes mais belles et brillamment filmées. Elles sont même parfois sujettes à des moments d’humour bienvenus entre l’elfe Legolas et le nain Gimli. Le seul inconvénient que je reprocherais au film est de ne pas mettre assez en valeur les personnages de Frodon, Sam et Gollum, qui sont les trois personnages les plus cruciaux de cette trilogie. Surtout qu’Andy Serkis est incroyable dans le rôle de Sméagol, vile créature qui n’en demeure pas moins touchante.

On assiste dans le film à la découverte de nouveaux personnages, plus secondaires mais tout aussi fascinants. On en apprend plus sur le territoire du Rohan, avec Eowyn, Théoden, Grima Langue-de-Serpent, ainsi que sur Faramir, le frère de Boromir.

Frodon et Sam traversent la Terre du Milieu

Les Deux Tours est également plus impressionnant en termes d’effets spéciaux. On peut le dire : on en prend plein la vue. A commencer par la bataille des Ents, la révolte de cette forêt et de ces personnages étranges contre une menace imminente. De plus, ces scènes sont tournées de telle façon qu’on en reste ébobi. Les mouvements de caméra sont maîtrisés, parfaits et entraînants. Mais ces effets spéciaux sont mineurs comparés au travail collossal qui a été fourni pour faire le film. Des centaines de figurants ont été nécessaires pour certains passages, pour créer des scènes de combat incroyablement réalistes. Aussi, des kilomètres de moquette ont été utilisés pour préserver les lieux de tournage et éviter de détériorer la nature.

Ensuite, le scénario est intéressant, l’histoire évolue rapidement et de manière passionnante. On ne s’ennuie pas et l’émotion est toujours au rendez-vous. On sort de ce film avec un sentiment de nostalgie et de tristesse étrange.

Viggo Mortensen dans le rôle d'Aragorn

Les acteurs sont quant à eux égaux à eux-mêmes. Aussi convaincants et touchants que dans la Communauté de l’Anneau, ils crèvent l’écran dans certaines scènes, notamment entre Elijah Wood (Frodon) et Sean Astin (Sam), où on sent une réelle alchimie. Miranda Otto est magnifique dans le rôle d’Eowyn, ainsi que Karl Urban (Eomer) et Brad Dourif (Grima). Mais le palme est reservée à Andy Serkis, qui a fait un boulot considérable dans le rôle de Gollum. Car derrière cette petite créature ne se cachent pas que des images de synthèse. Si le personnage est si réaliste et réussi, c’est principalement grâce à l’acteur, qu’on ne voit jamais à l’écran mais qui a produit un travail impressionnant. Il a d’abord tourné avec les autres acteurs dans un costume bleu/vert qui fut effacé au montage, puis dans un studio, couvert de capteurs de mouvement pour donner du réalisme aux déplacements et à la gestuelle. Ensuite, il a énormément travaillé pour numériser les expressions faciales de Gollum. Enfin, il est passé derrière le micro pour donner à son personnage la voix caractéristique qu’on lui connaît, mystérieuse et menaçante.

Le sournois Gollum

Pour finir, les musiques de cet opus sont à la hauteur des précédentes. Magnifiques, douces, stressantes ou tristes, ce sont grâce à elles qu’on apprécie le film et elles nous procurent de nombreuses sensations. Elles sont elles aussi signées Howard Shore pour notre plus grand bonheur. La plus belle mélodie de cet album reste à mon goût Evenstar.

En écoute avec Deezer » Evenstar

www.deezer.com/track/4147

D’une beauté renversante, cette musique retrace parfaitement l’esprit et l’ambiance du film. Vient ensuite une piste également incroyable et sublime, à savoir Gollum’s song.

On retient enfin deux musiques incroyables. Premièrement, Isengard Unleashed, qui est frissonnante à souhaits à partir de 2:20 et qui rappelle la sublime marche des Ents, une des scènes les plus magnifiques et vibrantes du film. A écouter et ré-écouter. Pour finir, voici une puissante et merveilleuse musique, Samwise the Brave. Elle nous transmet une émotion très intense à partir de 38 secondes, et je ne vois pas comment on peut y être insensible. Mais tout le score de ce film est à écouter, car il est subliment orchestré.

Voici la bande-annonce de ce deuxième opus du Seigneur des Anneaux.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

III – Le Retour du Roi

Affiche

Pour finir, voici le dernier volet de cette saga désormais culte, le Retour du Roi. Sorti en décembre 2003, ce film est incontestablement le meilleur des trois. Il vous fera rire, sursauter, pleurer et frissonner. L’histoire est toujours de plus en plus sombre, où tout repose sur les épaules de Frodon et Sam, qui s’approchent de la Montagne du Destin. Gandalf, Aragorn et leurs alliés vont tout faire pour livrer bataille contre les innombrables armées de l’ennemi afin de détourner l’attention de Sauron, laissant une minime chance à Frodon d’accomplir sa quête.

Voici le film le plus spectaculaire de tous. Il est saisissant, impressionnant, grandiose et mythique. Sa durée hallucinante (3h20 au cinéma, et 4 heures en version longue), était tout simplement nécessaire pour nous montrer la dernière partie de cette incroyable épopée. Apparaît alors le personnage de Dénéthor, l’Intendant du Gondor, joué par John Noble. Un personnage exécrable, qui refuse de se battre et d’aider le Rohan contre l’ennemi, s’avouant vaincu par les forces sombres. Il ne se rendra compte de l’amour qu’il porte pour son fils Faramir qu’à la toute fin.

Frodon, rongé par l'Anneau de pouvoir

Ce film contient un nombre impressionnant de scènes émouvantes, notamment grâce à Viggo Mortensen (Aragorn), en meneur des troupes à la fin du film, où il court au ralenti seul face à l’armée gigantesque du Mordor. Cette scène est l’une des scènes les plus belles qu’il m’ait été donné de voir. Après 8 heures de film, ce passage est d’une intensité et d’une émotion très riches. Enfin, toutes les scènes avec Frodon et Sam, principalement pendant toute la dernière demie-heure du film, sont exceptionnelles et j’ai du mal à imaginer comment ces séquences auraient pu être mieux réalisées. L’ascension de la Montagne du Destin est tout simplement un moment d’anthologie.

Les effets spéciaux sont toujours au rendez-vous, on retiendra l’armée des morts-vivants ainsi que la bataille où les Spectres Ailés et les aigles se joignent à la guerre.

Le dénouement est sublime, simple, triste mais inévitable. Lorsqu’on ressort de ce film, on y repense pendant quelques jours, encore immergés dans l’ambiance et l’émotion qu’il nous a procuré. Imaginer tout ce qu’ont vécu les personnages et la façon dont ils doivent se sentir à la fin de cette épopée donne un effet incroyablement nostalgique.

Viggo Mortensen dans le rôle d'Aragorn

Pour finir, les musiques surpassent celles des deux premiers épisodes. A commencer par The Return of the King. Cette incroyable piste de 10 minutes est un pur bonheur.

En écoute avec Deezer » The Return of the King

www.deezer.com/track/19441

Elle apparaît à la toute fin du film, et retrace toutes les musiques cultes de la trilogie, la musique des hobbits, du Gondor, mais surtout le chant magnifique du roi qu’on peut entendre à 3:35 et qui est d’une beauté saisissante. Et Eärello Endorenna utúlien. Sinomë maruvan ar Hildinyar tenn’Ambar-metta. Ensuite, la musique qui est la plus magnifique à mon goût est Twilight and Shadow. Ce que ressentent les admirateurs de la trilogie en entendant cette musique n’est tout simplement pas qualifiable. Il en va de même pour Grey Havens et The End of All Things (notamment à 5:05).

Pour finir, voici la dernière bande-annonce de cette trilogie désormais culte.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

A noter qu’une adaptation de Bilbon le Hobbit, un autre roman de J. R. R. Tolkien basé sur le même univers, est prévue pour 2012.

Charlize Theron

Le film n’a aucune date de sortie en France mais je vous propose de savourer ce petit trailer en VO :

Cliquer ici pour voir la vidéo.